Arte comentada

A polivalência de Leonardo Da Vinci

2012-01-01T16:00:00.000-08:00

Retomando as postagens do Blog depois de tanto tempo, venho trazer um assunto que tem a ver com os meus últimos estudos em História da Arte.Recentemente, retomei os estudos da minha área pra concorrer a alguns concursos pra área educacional, e História da Arte, especialmente pelo livro do Gombrich, está sendo bem cobrada no aspecto "geral".
Normalmente, eu não sou de postar coisas relacionadas à História da Arte, tendo reservado a isso as primeiras postagens do começo de 2009, nas quais falei sobre o Impressionismo e o Pós-Impressionismo.
Enquanto estudava os diversos períodos de História da Arte no mundo (de uma maneira padrão, já que sabemos que a História de qualquer coisa não funciona de forma localizada e linear), dei-me conta do quanto as coisas iam evoluindo de dos vai-e-vens dos conceitos de Arte e do papel do artista na sociedade.
Confesso que até o final da Idade Média era fácil estudar a História da Arte, já que tínhamos somente que entender como eram feitos os trabalhos analisando tão somente o ponto de vista da religião, cultos das épocas distintas.
No entanto, quanto mais avançamos no tempo, mais encontramos nomes destacáveis. E mais difícil é aprender a respeito não somente do momento histórico e sua arte característica, mas dos próprios artistas que, dada a sua influência, revolucionaram de maneira muito efetiva o ramo das Artes Visuais.
Escolhi um artista do qual não sou particularmente fã, mas penso ser uma injustiça não comentar a seu respeito, pelo que tenho lido sobre ele. Estou falando tão somente do grande gênio renascentista Leonardo Da Vinci.

Leonardo Da Vinci (1452-1519), o mais velho desses famosos mestres, nasceu numa aldeia toscana. Foi aprendiz numa importante oficina em Florença, a do pintor e escultor Andrea Verrocchio (1435-88).
(...) Foi introduzido nos segredos técnicos do trabalho de fundição e outras tarefas metalúrgicas, aprendeu a preparar quadros e estátuas cuidadosamente, fazendo estudos de nus e de modelos vestidos. Aprendeu a estudar plantas e animais curiosos para incluir em seus quadros e recebeu fundamentos básicos sobre a óptica da perspectiva e o uso de cores. No caso de qualquer outro rapaz talentoso, esse treinamento teria sido o suficiente para fazer dele um respeitável artista, e muitos bons pintores e escultores saíram, de fato, da próspera oficina de Verrocchio. Mas Leonardo era mais do que um jovem talentoso. Era um gênio cujo intelecto poderoso será eternamente objeto de assombo e admiração para os mortais comuns. Sabemos alguma coisa sobre a amplitude e produtividade do espírito de Leonardo porque seus alunos e admiradores preservaram cuidadosamente seus esboços e cadernos de apontamentos, milhares de páginas cobertas de escritos e desenhos, com exertos de livros que Leonardo leu e rascunhos para obras que pretendia escrever. Quanto mais se estudam esses papéis, menos se pode entender como um ser humano foi capaz de se destacar de forma tão profunda em todos esses diferentes campos de pesquisa e dar tão importantes contribuições para quase todos eles. Talvez uma das razões resida no fato de Leonardo ser um artista florentino, e não um erudito de formação acadêmica. Considerava ele que a função do artista era explorar o mundo visível, tal como seus predecessores tinham feito, só que de maneira mais abrangente e com maior intensidade e precisão. Não lhe interessavam os conhecimentos livrescos dos homens de saber. Tal como Shakespeare, ele provavelmente tinha "pouco latim e ainda menos grego".

(...)

Foi um dos primeiros a aprofundar os mistérios do crescimento da criança no ventre materno; investigou as leis das ondas e correntes; passou anos observando e analisando o vôo de insetos e pássaros, o que iria ajudá-lo a inventar uma máquina voadora que um dia, ele estava certo disso, se tornaria uma realidade. As formas de pedras e nuvens, o efeito da atmosfera sobre a cor de objetos distantes, as leis que governam o crescimento de árvores e plantas, a harmonia de sons, tudo isso era objeto de sua incessante pesquisa e seria (...) Em tempo de paz, divertia-os com brinquedos mecânicos de sua própria invenção e com o projeto de novos efeitos para representações teatrais e cortejos pomposos. Leonardo era admirado como um grande artista e requestado como esplêndido músico, mas, apesar de tudo isso, poucas pessoas poderiam ter feito uma pálida ideia da importância de suas concepções ou da vastidão de seus conhecimentos.

(...)

Seja como for, sabemos que Leonardo deixou por executar muitas vezes as obras que lhe encomendavam. Começava uma pintura e deixava-a por acabar, apesar das urgentes solicitações do cliente.Além disso, insistia obviamente em que só a ele cabia decidir quando uma obra sua estava terminada e recusava-se a entregá-la a menos que se considerasse satisfeito com ela. Não surpreende, portanto, que poucas obras de Leonardo tenham sido concluídas, e que seus contemporâneos lamentassem o modo como esse extraordinário gênio parecia desperdiçar seu tempo, deslocando-se incansavelmente de Florença para Milão, de Milão para Florença, e a serviço do notório aventureiro César Bórgia, depois Roma e, finalmente, a corte do Rei Francisco I de França, onde morreu em 1519, mais admirado do que compreendido.

"A Última Ceia" -1495-8
Comentários: Este é um mural pintado no refeitório
do mosteiro de Santa Maria delle Grazie. Infelizmente
está em péssimo estado de conservação. Nota-se que
Da Vinci esmerou-se para compreender como de fato
haveria de ter ocorrido a última ceia, quando Jesus diz
a seus discípulos que um deles o trairá. Quem já viu o
Código Da Vinci vai me dizer que quem está à esquerda de
Jesus é Maria Madalena (hehe)

Mona Lisa - 1502
Comentários: Acho difícil alguém que esteja
lendo a respeito de Da Vinci não saiba que
quadro é este! Temos dois assuntos que
circundam este quadro: o sorriso misterioso
conseguido por efeito da técnica do 'sfumatto'
e sobre o fato da Mona Lisa ser o próprio Da Vinci.

Referências

GOMBRICH, Ernst Hans Josef. A História da Arte. 16ª edição. LTC. Rio de Janeiro, 2009.

A técnica da marmorização

2011-09-27T08:04:00.000-07:00

Depois de tanto tempo sem postar, trago aqui uma novidade interessante pros amantes de novidades no mundo das Artes.
Resolvi pesquisar sobre esta modalidade de pintura/impressão através de um colega das Artes que vinculou ao facebook este vídeo.

Fiquei curiosa e ao mesmo tempo intrigada do quanto os efeitos são modelados a partir de simples pingos de tinta e modelagem das linhas com palitos feitas delicadamente.
O nome desta antiga técnica de artesanato é marmorização. E baseia-se no uso de líquido (pode ser solvente ou água com mistura de alga, como mostrou no vídeo mais abaixo) sobre uma bacia, na qual pinga-se tinta, formando os mais "psicodélicos" desenhos.
O que mais me intrigou, além da possibilidade de se fazer esses desenhos sobre o solvente, foi a possibilidade de impressão em qualquer outra superfície!
Catando alguns vídeos no youtube, me deparo com esta técnica na impressão de guitarras, na pintura de unhas, e até mesmo em superfície de papel, como mostrado no vídeo acima.

Aqui temos um vídeo explicativo sobre a técnica e sobre todos os procedimentos.

Abaixo, mais alguns vídeos de marmorização em guitarra e em unhas.

Qualquer novidade ou informação sobre essa técnica, não deixem de comentar. Se alguém tem alguma curiosidade sobre a história e sobre como surgiu, pode dar a sua contribuição.

Loius Wain - Sua relação com gatos e a Esquizofrenia

2011-05-30T17:08:00.000-07:00

Atualizando mais uma vez, trago mais novidades sobre as minhas pesquisas por aqui.

Cheguei a este artista graças a uma amiga que estuda Psicologia, que estava comentando comigo a respeito de um artista que retratava gatos, só que, devido a seu problema com Esquizofrenia começou a delirar em sua Arte, produzindo trabalhos nos quais a forma felina perdeu-se dando lugar a formas mais abstratas e agressivas.

Vida e trabalho (traduzido da Wikipedia em Inglês):

Louis William Wain nasceu em 5 de agosto de 1860 em Clerkenwell, em Londres. Seu pai era comerciante de tecidos e bordados, sua mãe era francesa. Era o primeiro de seis filhos, e o único menino. Nenhuma de suas irmãs casou. Aos 13 anos, sua irmã caçula foi diagnosticada com "insanidade", e internada em um asilo. As restantes irmãs viveram com sua mãe no decorrer de seus dias, como o fez Louis na maior parte de sua vida.

Wain nasceu com lábio leporino e o médico deu aos seus pais ordens de que ele não deveria ir para a escola ou ensino antes dele completar 10 anos. Na juventude, foi muitas vezes ausente da escola, e passou grande parte de sua infância perambulando em Londres. Depois deste período, Louis estudou na West London School of Arts e ocasionalmente tornou-se professor por um curto periodo. Aos 20, Wain deixou seu trabalho para dar assistência à mãe e às irmãs depois da morte de seu pai.

Wain desistiu tão logo de sua posição como professor para se tornar um artista autônomo, e neste ofício alcançou sucesso considerável. Especializou-se em desenhos de animais e cenas campestres, e trabalhou para alguns jornais incluindo o "Illustrated Sporting and Dramatic News", onde ele permaneceu por quatro anos, e o "Illustrated London News", começando em 1886. Pelos anos 1880, o trabalho de Wain incluiu ilustrações detalhadas de casas de campo e fazendas inglesas, juntamente com a vida campestre, fora contratado para desenhar feiras agrícolas. Seu trabalho neste tempo incluía uma vasta variedade de animais, e ele manteve sua habilidade de desenhar seres de todos os tipos durante toda a sua vida. Em um ponto em especial de sua vida, esperava ganhá-la desenhando retratos de cães.

Aos 23 anos, Wain casou-se com a governanta de sua irmã, Emily Richardson, 10 anos mais velha (o que era considerado um escândalo na época), e mudou-se com ela para Hampstead, no norte de Londres. Pouco depois, Emily começou a sofrer de câncer, e morreu apenas 3 meses depois de seu casamento. Foi durante este período que Wain definiria o objetivo de sua carreira. Durante sua doença, Emily era confortada por seu gatinho de estimação Peter, e Wain lhe ensinou truques, como colocar óculos no gatinho, fingindo ler, a fim de entreter a sua esposa. Ele começou a desenhar extensas esquetes do gordo gato preto e branco. Ele, mais tarde, escrevera sobre Peter: "A ele devo o alicerce de minha carreira, a evolução do meu esforço inicial, e da criação do meu trabalho." Peter pode ser reconhecido em muitos trabalhos antigos publicados de Wain.

"Gato entre flores"

Em 1886, o primeiro desenho de gatos antropomórficos de Wain foi publicado na edição de Natal da Illustrated London News, entitulado de "Uma festa de Natal para Gatinhos". A ilustração mostrava 150 gatos, muitos dos quais se assemelhavam a Peter, enviando convites, segurando uma bola, divertindo-se com jogos, e fazendo discursos sobre painéis de 11 anos. Sob o pseudônimo de George Henri Thompson, ele ilustrou inúmeros livros para crianças por Clifton Bringham e publicado por Ernest Nister.

"A Cats Party" - 1890

Nos anos seguintes, os gatos de Wain começaram a andar como bípedes, sorrir amplamente e a usar outras expressões exageradas, bem como vestir sofisticadas e contemporâneas roupas. As ilustrações de Wain mostraram gatos tocando instrumentos musicais, servindo chá, jogando cartas, pescando, fumando, e aproveitando uma noite de ópera. Tais retratos animais antropomórficos eram muito populares na Inglaterra vitoriana, e eram frequentemente encontrados em cópias, em cartões e ilustrações satíricas como algumas de John Tenniel (outro famoso ilustrador contemporâneo).

Wain foi um artista prolífero nos trinta anos seguintes, algumas vezes produzindo até várias centenas de desenhos por ano. Ilustrou cem livros infantis, e seu trabalho apareceu em periódicos, jornais, e revistas, incluindo a Louis Wain Annual, que circulou de 1901 até 1915. Seu trabalho foi também regularmente reproduzido em pinturas de cartões postais, estes são amplamente procurados por colecionadores atualmente. Em 1898 e 1911, ele foi o presidente do "Clube Nacional do Gato" (National Cat Club).

As ilustrações de Wain eram frequentes paródias da espécie humana, satirizando modismos e modas do dia-a-dia. Ele escreveu, "Eu pego um sketch-book em um restaurante, ou qualquer outro lugar público, e desenho as pessoas em suas diferentes posições como gatos, tentando torná-las mais próximas de suas características humanas. Isto me dá uma dupla natureza, e estes estudos, eu acho [ser] meu trabalho mais bem humorado."

Wain estava envolvido em várias instituições de caridade para animais, incluindo o Governing Council of Our Dumb Friends League, a Society for the Protection of Cats, e a Anti-Vivisection Society. Ele também era ativo no National Cat Club, agindo como presidente e represente do comitê em alguns tempos. Ele sentiu que ajudaria a "a acabar com o desprezo dos quais os gatos foram vítimas" na Inglaterra.

Tirando a sua popularidade, Wain sofreu dificuldades financeiras ao longo de sua vida. Foi o responsável por sustentar sua mãe e irmãs, e tinha algum tino para negócios. Wain era modesto e facilmente coagido, mal amparado para negociar no mundo da publicação. Ele frequentemente vendia todos os seus desenhos, não exigindo direitos em sua reprodução. Era facilmente enganado, e já se encontrou ludibriado pela promessa de uma nova invenção ou algum esquema alheio para ganhar dinheiro.

Viajou a Nova Iorque em 1907, onde desenhou algumas histórias em quadrinhos, como "Cats about Town" e "Grimalkin", para o diário de notícias Hearst. Seu trabalho foi amplamente admirado, embora sua atitude crítica em relação a cidade fez dele o tema de circulação na imprensa. Ele voltou para casa com ainda menos dinheiro do que antes, devido ao investimento imprudente em um novo tipo de lâmpada a óleo.

- Desordem Mental:

Neste ponto, a popularidade de Wain começa a decair. Retornou de Nova Iorque sem dinheiro, e sua mãe havia morrido de Gripe Espanhola enquando ele estava fora. Sua instabilidade mental também começou a mostrar-se neste tempo, e foi aumentado no decorrer dos anos. Sempre fora considerado encantador, porém excêntrico, e frequentemente tinha dificuldades para discernir o fato da fantasia. Os outros muitas vezes o encontravam incompreensível, devido ao seu jeito tangencial ao falar. Seu comportamento e personalidade mudaram, e ele começou a sofrer de alucinações, mostrando seus primeiros sintomas de esquizofrenia. Considerando que era homem educado e confiante, ele tornou-se hostil e desconfiado, particularmente com suas irmãs. Alegava que a iluminação da tela do cinema havia roubado a eletricidade de seus cérebros. Começou a perambular pelas ruas a noite, a reorganizar móveis dentro da casa, além de passar um longo período trancado em seu quarto, escrevendo de forma incoerente.


O fogo da mente agita a atmosfera - anos 1930

Alguns especularam que os ataques esquizôfrenicos de Wain eram causados pela Toxoplasmose, uma infecção parasítica que pode ser contraída de gatos. A teoria que a Toxoplasmose poderia ser o gatilho da Esquizofrenia é um assunto de pesquisas em andamento, visto que as origens da teoria podem ser encontradas desde 1953.

Estilo "elétrico" de Wain

Quando suas irmãs não puderam mais lidar com o seu comportamento errático e ocasionalmente violento, foi finalmente internado em 1924 em uma ala precária do Hospital Psiquiátrico Springfield em Tooting. Um ano mais tarde, ele foi descoberto e suas circunstâncias foram amplamente divulgadas, levando a apelos de figuras como HG Wells e intervenção pessoal do Primeiro-Ministro. Wain foi transferido para o Hospital Real Bethlem em Southwark, e novamente em 1930 para o Hospital Napsbury perto de St. Albans em Hertfordshire, norte de Londres. Este hospital foi relativamente agradável, com um jardim e uma colônia de gatos, e lá passou seus últimos 15 anos em paz. Enquanto ele se tornava cada vez mais fora da realidade, seu humor instável cedeu, e ele continuou desenhando por prazer. Seu trabalho neste período é marcado por fortes cores, flores e complexas e abstratas formas, embora o seu objeto primário - os gatos - continuasse o mesmo.

Dr. Michael Fitzgerald contesta a alegação de Esquizofrenia, alegando que Wain mais do que provavelmente teria a síndrome de Asperger (AS). Em uma nota particular, Fitzgerald indicava que enquanto a Arte de Wain tomava um caráter mais naturalmente abstrato à medida que ele envelhecia, sua técnica e habilidade como um pintor não diminuía, como seria de esperar de um esquizofrênico. Além disso, elementos de agnósia visual (perda da capacidade de reconhecer objetos, pessoas, formas) eram demonstrados em sua pintura, uma elemento-chave em alguns casos de AS. Se Wain teve Agnósia Visual, ela manifestou-se como um mísero detalhe.

Séries de cinco de suas pinturas são comumente usadas como exemplos em livros de Psicologia, para supostamente mostrar a mudança em seu estilo, e que seu estado psíquico se deteriorou. Entretanto, não se sabe se esses trabalhos foram criados com o objetivo apresentado, já que Wain não os datara. Rodney Dale, autor de Louis Wain: O Homem que Desenhava Gatos, criticou a crença que as cinca pinturas poderiam ser usadas como exemplo da deteriorização da saúde mental de Wain, escrevendo: "Wain experimentou com formas e gatos, e até mesmo tarde, em vida, ele já havia produzido figuras convencionais de gatos, talvez 10 anos depois de suas [supostas] produções posteriores as quais eram mais formas que gatos."

H.G. Wells disse a seu respeito, "Ele era gato em sua essência. Ele inventou o estilo de gato, uma sociedade de gatos, todo um mundo de gatos. Gatos ingleses que não olharem e viverem como Louis Wain deveriam envergonhar-se de si mesmos." Seu trabalho é agora amplamente colecionado, mas é preciso cuidado, já que falsificações são comuns.

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Análise pessoal:

A análise que farei a seguir é pessoal, portanto tomo o cuidado de dizer apenas uma opinião a respeito do assunto. As pessoas que lerem estão aptas para discordar ou não do que irei falar.

Sobre o período em que trabalhou com ilustrações:

Não há muito o que falar do período em que trabalhava como ilustrador, já que Wain não exteriorizava muito o que sentia, exceto a sua notável afeição pelos bichanos e o olhar humano fixo e vigiador presente em alguns de seus gatos - que nos causa uma sensação de tensão, como se estivéssemos sendo constantemente observados e julgados.

O antromorfismo presente em seus gatos é natural em diversos trabalhos de literatura infantil ilustrada, uma vez que personagens de histórias costumam tomar a forma humana, características de personalidade e expressão humanas. A exemplo do Gato de Botas, que é bípede.
Nos desenhos animados, isso também é constante, se tomarmos como exemplo o Tom (de Tom & Jerry), Frajola, Gato Félix, Garfield...


lustração de Gustave Doré (1832-1886) para o conto de fadas O Gato de Botas	(Fonte: Wikipedia)

Sobre o período considerado Esquizofrênico:

Talvez por ter uma formação diferente, e analisar mais o lado artístico das obras de Wain, eu possa opinar com outros olhos a diferença entre suas obras do período entitulado "normal", como tive a infelicidade de ler em alguns sites (já que ninguém consegue atribuir o caráter de normalidade a uma linha tão fina e quase imperceptível que separa a loucura da sanidade), do seu período considerado esquizofrênico.

Questiono o fato que Wain tenha produzido tais obras de caráter abstrato por possuir a tal chamada "agnosia visual" - questiono, mas não digo que tal diagnóstico está errado por não possuir formação na área de Psicologia. Sendo que não devemos esquecer que seu pai trabalhava com tecidos e estamparias, algo que pode ter influenciado a sua obra (em suas obras abstratas vemos aspectos de estamparia).

Outrossim, o objeto de sua Arte não desaparecera completamente em meio às suas obras (apesar de fragmentado em formas geométricas radicais podemos reconhecer o "gato").

Deixando claro que não irei discutir sobre a Esquizofrenia em si, ou sobre a Síndrome de Aspenger, já que isto não me cabe.

Podemos notar um aspecto parecido com o de uma mandala em alguns de seus últimos trabalhos por vermos que eles sempre "puxam para o meio", são cuidadosamente simétricos. Comparo aqui o emprego de cores vivas tal como utilizava Van Gogh em seus trabalhos.

O artista retrata o que está dentro do seu íntimo, e aí inclui-se as cores empregadas, seu conjunto, suas formas. Notamos em alguns de seus trabalhos do "estilo elétrico" um forte emprego de cores complementares, o que naturalmente deu o aspecto contrastante entre essas mesmas cores.

Vários grandes artistas, especialmente das épocas do século XIX e XX foram tidos como loucos e descobriu-se mais tarde que eles possuíam um distúrbio que não poderia ser classificado como uma insanidade incapacitadora. Tomei como exemplo Van Gogh, mas tem-se também a grande artista e escultura impressionista Camille Claudel, que fora internada em 1913 em um manicômio.

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Resolvi divulgar o trabalho de Wain não somente por ser uma admiradora dos bichanos, como já expus em minha outra postagem que falei de História da Arte e gatos, mas porque achei relevante comentar, e ao mesmo tempo estranho que não ache muitos comentários do pessoal das Artes Visuais sobre ele. Os comentários em Português que encontrei sobre ele foram mostrados ou por estudantes e profissionais da área de Psicologia ou de ailurófilos como eu.
Sempre faço essa crítica ao ensino de Artes, afirmando que a orientação acadêmica deveria se desvenciliar um pouco do livro ou dos chamados "grandes mestres" (especialmente de vanguarda europeia), para aprender a apreciar outros fazeres artísticos tão legítimos como estes que estudamos em livros de História da Arte, ou de crítica de Arte.

M.C. Escher - Matemática + Artes

2011-03-25T10:04:00.000-07:00

Esta postagem vai de muito tempo depois de eu ter escrito a última.
Não ando com a cabeça muito nas Artes por estar dedicando o meu tempo ao estudo do concurso de Auditor Fiscal da Receita Federal (AFRFB).
Vários questionamentos estavam me pegando cada dia mais de surpresa, até que cheguei a este importante que me deu a ideia de escrever essa postagem exclusivamente sobre um artista que admiro muito.
M.C. Escher não era apenas um artista estupendo em seus trabalhos por conseguir harmonizar as formas e conceitos, mas também por mais tarde ser considerado um grande matemático (Geométrico).

De acordo com a sua biografia no site Britannica:

M.C. Escher, nome de Maurits Cornelius Escher (nascido em 17 de junho de 1898, Leeuwarden, Países Baixos - morto em 27 de março de 1972), foi um artista gráfico holandês conhecido por suas impressões realísticas e detalhadas que causavam efeitos ópticos bizarros e conceituais.

De 1919 a 1922, Escher estudou na Escola de Arquitetura e Artes Decorativas em Haarlem, Países baixos, onde desenvolveu interesse em artes gráficas e trabalhou principalmente com xilogravura. Passou alguns anos viajando e esboçando Europa afora, vivendo na Itália de 1922 a 1935, e então mudando-se para Suíça e Bélgica. Nas suas impressões e desenhos desye período, Escher retratou paisagens e temas naturais em fantásticas formas de múltiplo uso, perspectivas conflituantes.

O estilo maduro de Escher emergeu depois de 1987 numa série de impressões que combinavam o realismo meticuloso com as enigmáticas ilusões de óptica. Trabalhando com litogravura e xilogravura, retratou com grande virtuosismo técnico grandes espaços impossíveis e inesperadas metamorfoses de um objeto a outro. Seus imagens eram de igual interesse para matemáticos, psicólogos cognitivos e o público em geral, e eles são reproduzidos amplamente século XX adentro.

Eu gosto de comparar o trabalho de Escher com Salvador Dali no sentido de que, nunca se vê tudo em uma primeira olhadela.
Escher gosta de trabalhar com as ilusões no sentido de que, em grande parte de suas obras, não conseguimos diferenciar a figura do fundo. Até me lembro que em 2007, em duas disciplinas da faculdade (Introdução a Superfície e Volume e Gravura, se não me engano) esse foi o primeiro artista que estudamos para termos essa ideia de que na Arte, tudo pode ser feito... De que as velhas convenções sobre figura-plano eram algo que pertenciam a períodos mais relacionados ao Renascimento, principalmente, onde a perspectiva era primordial.
Interessante observar também que Escher era uma exceção de artista porque não fazia parte de nenhuma das Escolas ou Movimentos presentes no século XX, considerando os inúmeros Manifestos e Movimentos artísticos do século XX (Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo,etc). Pelo caráter de grande parte dos seus trabalhos, podemos deduzir que ele teve sim inspiração surrealista (alguém aí consegue ver a semelhança do seu trabalho com o de Magritte e Salvador Dalí?).
Fora que devemos citar também a influência da Arte Islâmica de preenchimento de planos (para quem pensa que esses artistas europeus criaram algo partindo do zero).

Mão refletindo a esfera - 1935

Encontro - 1944 - Litogravura

Anjos e Demônios

Céu e Água I - 1938 - xilogravura

Estrelas -1948

The Horsebacks -1946

Relatividade - 1953

Mãos desenhantes - 1948

Subindo, Descendo

Espirais - 1953 - Gravura em madeira

Mais figuras no site oficial do artista, pra quem quiser diferenciar os seus diferentes períodos.

Agata Olek: do artesanato para a arte

2011-01-28T04:55:00.000-08:00

Conforme havia prometido em um post bem antigo, mais precisamente há um ano, vou falar de uma artista que tem uma ligação muito íntima com o Artesanato (especificamente o crochê) e a Arte de uma maneira conceitual, o que a torna uma notável artista contemporânea. No post anterior, onde falei de Arte, Artesanato e Romero Britto, prometi que traria algo relacionado ao artesanato só que com teor artístico.

Não vemos muitos sites falando a respeito do seu trabalho, então as informações que trago são diretamente dos sites da própria artista, que expõe mais a sua obra e trajetória do que sua biografia de uma maneira geral.

Graduou-se em 1997 como Bacharel em Estudos Culturais, na Universidade Adam Mickiewicz, em Poznan, na Polônia.

Apesar disso, só ganhou espaço nos Estados Unidos em 2003, onde expôs seus trabalhos esculturais através das suas "capas" de crochê em Nova Iorque. Claro que o seu trabalho também inclui outras técnicas de artesanato, mas o crochê é a principal.

Suas obras se dividem em: esculturas, instalações, "infláveis" e trajes.

Esculturas:

De caráter lúdico e com um caráter inovador quanto à técnica, elas são mais expostas em lugares ditos cotidianos do que em galerias. É aquele conceito de inserir um objeto artístico em um local de circulação cotidiana, por mais que seja inusitada, como é o caso do carro e do boneco no campo, ou um refeitório, como é o caso do cubo. Uma coisa é certa: esses trabalhos não têm como passar despercebidos onde quer que estejam.

Instalações:

Nada mais é do que as suas esculturas e outros adereços expostas em um determinado espaço, tornando-o a sua própria instalação.

Infláveis:

Como eu havia dito, seus trabalhos têm um caráter lúdico, e essas obras são referência a isso. Vou chutar porque não tenho certeza, mas creio que são feitos com plastico, bexigas, e canutilhos e miçangas. Notem que alguns de seus trabalhos tem pessoas de verdade o preenchendo, como se estivessem vestindo um parangolé (no caso, o ato de "vestir" uma obra de Arte), embora não seja muito fã dos ditos "parangolés".

Trajes:

Mesmo não sendo uma obra de Arte em si, já que os trajes que ela fez foram encomendados, pelo que consta. Mas ainda assim vou divulgar, porque é parte do seu trabalho como artista.

Referências:

Site Oficial da Artista Ágata Olek

Vik Muniz e Banksy na disputa pelo Oscar de melhor documentário

2011-01-25T08:32:00.000-08:00

Vocês não imaginam o quanto eu, no meu momento de ócio, estava navegando pelo twitter, e vejo o nome do Vik Muniz nos Trending Topics.
Como é raro aparecer alguma coisa realmente produtiva, tratei de averiguar do porquê do seu nome estar ali, já que o comum é estar ali alguma coisa do BBB ou qualquer fato idiota digno de cultura inútil.

Até que descobri que há dois documentários de grandes artistas que admiro muito, e que se tu pesquisares, encontrarás artigos sobre eles neste blog mesmo.
Não sei se levam... Mas estou torcendo para que qualquer um deles ganhe, já que tenho muita admiração pelo trabalho contemporâneo que realizam.
Banksy pelo seu talento com estêncil nas ruas da Inglaterra, sempre provocando o questionamento e causando polêmica. Inclusive o governo inglês proíbe que apaguem qualquer trabalho de Banksy nos muros.

Vik atenta mais para a questão dos lixões, fotografando pessoas que trabalham no Jardim Gramacho (maior aterro sanitário da América Latina) na cidade do Rio de Janeiro, e executando os seus trabalhos pictóricos típicos (o artigo anterior a este entra em mais detalhes sobre isso) com sucata, retratando as mesmas pessoas que trabalham nesses aterros. Exatamente como fizera com as imagens em que retratava em açúcar sobre um tecido preto crianças filhas de operários que trabalhavam nas canas. Diz ele que o dinheiro arrecadado com a venda das fotografias será convertido para ajudar aquelas pessoas em situação de miséria extrema.

Agora é torcer. E enquanto eu não acho os documentários completos, vou repassar os trailers.

Lixo Extraordinário - Vik Muniz

Exit Through the Gift Shop (Saída através da Loja de Presentes): Banksy

Vik Muniz: Arte escultórica e fotográfica

2011-01-20T03:43:00.000-08:00

Estava há horas para escrever a respeito do trabalho deste artista. Só que como não encontrava tempo para falar a respeito dele por causa da correria que foi para mim o ano de 2010...
Vou procurar ser sucinta com relação a sua biografia, porque qualquer curiosidade, é só acessar o Wikipedia e achar todas as informações lá.
Nasceu em São Paulo, mas vive e trabalha em Nova Iorque.

Sua obra se baseia na releitura de grandes trabalhos de grandes artistas, como o Da Vinci e o Claude Monet, além dos próprios que ele criou, formando figuras diversas e de artistas da mídia. Não seria nada de mais se não fosse curioso a forma que ele faz essa releitura.
Já criou desenhos (ou pinturas?) com geleia, calda de chocolate, confeitos. Além de suas esculturas gigantescas se utilizando de lixo e brinquedos. Não há muito o que dizer sem olhar para os seus trabalhos.

Quando olhamos uma foto de um trabalho seu, talvez não tenhamos a ideia da dimensão que ele possui.
Quem é antenado com relação a novelas (diferentemente de mim) vai reconhecer um trabalho seu quando ver a abertura da antiga novela das nove da Globo, Passione.

Nada do que eu disser aqui não será opinião pessoal, já que tem muito crítico de Arte que coloca como verdade absoluta tudo que fala, e eu estou, cada vez mais, evitando esse tipo de linguagem. Vou deixar livre comentários dos mais diversos a respeito do seu trabalho, contando que sejam isentos de preconceitos. Dizer que "algo é um lixo", e pôr como verdade absoluta, é algo que estou criticando até em minhas próprias atitudes.

Por fim, voltando ao trabalho do artista-tema desse post, gostaria de divulgar fotos sobre os seus trabalhos.

O nome deste trabalho é Medusa, uma releitura de um quadro do artista Caravaggio (só de olhar para alguns trabalhos, vê-se que Muniz é um admirador de sua Arte). E como vocês podem perceber, tem algo muito efêmero nisso. Imagina tu num restaurante, daí tu enjoas de comer um macarrão e resolve começar a "brincar" com a comida. Daí resulta em uma obra dessas. Tu publicas e faz o maior sucesso. Não importa o material, o que importa é que isso é um trabalho muito valoroso. Pelo menos eu penso assim, já minha mãe achou nojento (hehe).

Abaixo temos uma releitura da Monalisa do Da Vinci. Até quem é leigo em Artes e não conhece muitos artistas, conhece esta obra de Arte. Agora imaginem uma Monalisa feita com geleia e pasta de amendoim? Em uma opinião pessoal, muitos estudiosos em Arte podem se irritar com o que eu vou dizer: mas ele desbancou legal o Marcel Duchamp.

Aqui embaixo temos uma releitura do quadro "Narciso", seguido do seu original, de autoria do pintor barroco italiano boêmio (quantos adjetivos!) Caravaggio. Há vários artistas dos quais ele fez a releitura que são deste material. Como é o caso de "Leda e o Cisne" (releitura de Da Vinci), "Ícaro" (do artista também barroco Tiziano).
Se vocês olharem bem de perto, verão que o "método" de produção da obra, bem como os materiais, se assemelham e muito ao da abertura da própria novela das oito, embora este tenha vindo bem antes. Eles são gigantescos para falar a verdade. O artista Vik Muniz se utiliza de galpões onde ele conta com a ajuda de assistentes. A fotografia não é somente um registro, mas parte da obra também. O material, se vocês aproximarem seus olhos da tela do computador, são sucatas. Só observem o quanto um pneu parece pequeno nesta foto. Daí vocês imaginem as reais dimensões.

Esse aqui é um dos meus preferidos. Antes de ler o resto do que eu tenho a dizer, aproxime seu rosto da tela e tente adivinhar qual foi o material utilizado desta vez.

Fez isso? Então tá. Tu sabes aqueles soldadinhos de brinquedo, aqueles coloridos, que talvez a nova geração não conheça, mas quem foi criança na minha época, ou talvez antes de mim, entre os anos 70 e 90, vai reconhecer que estes são aqueles conjuntinhos que se comprava em lojinhas de quinquilharia para dar de presente para algum amiguinho. Enfim, Vik Muniz viu nisso uma oportunidade de fazer Arte. É bárbara a criatividade deste homem! O melhor de tudo foi ele se utilizar de soldadinhos de brinquedo para retratar um soldado.

Muito curioso é este trabalho também, que parece um desenho feito de grafite. Mas ao contrário do que parece, a superfície deste desenho é preta, o que é branco é o açúcar utilizado para produzi-la. Até eu quando fiquei sabendo dessa série de trabalhos (porque Vik Muniz fez uma série de trabalhos assim) não acreditei que fosse açúcar. O mais curioso, e não por acaso, ele fotografou crianças filhas de trabalhadores de canas-de-açúcar para compor a série. Este é apenas um exemplo da série.

Esta série de trabalhos é com certeza uma coisa muito "chique", já que o material utilizado por Muniz são nada mais do que diamantes. Ele fez uma série de utilizando de grandes estrelas de Hollywood, como Audrey Hepburn e Marilyn Monroe, e outras grandes divas dos anos 1950 e 1960 (mesmo Monroe tendo morrido em 1962).

Falando em Marilyn Monroe, Vik Muniz fez uma versão também em quebra-cabeças. É curioso observar que elas estão sobrepostas umas sobre as outras, o que nos faz indagar sobre COMO ele fez isso... É um quebra-cabeças que monta a imagem da artista de cinema, mas ele não está encaixado?

Agora vindo um pouco para a mídia brasileira, é muito interessante a capa do CD do trio Tribalistas feita pelo artista. Seguindo o mesmo esquema da Monalisa, ela é feita com calda de chocolate.

E seguindo a mesma linha do trabalho de quebra-cabeças de Marilyn Monroe, só que desta vez com confetes.
Abaixo temos, um auto-retrato seu (de frente e costas),

E outra capa de cd, só que do Seu Jorge.

Mesmo Vik Muniz tendo todo esse currículo em seus trabalhos, há muita gente que, na minha sincera opinião, não tem talento, sente inveja e prefere criticar, só porque é jornalista da mídia e acha que entende tudo de tudo.
Como já falei antes, não gostar de uma coisa é uma simples opinião à qual todos temos direito. Mas julgar já são outros quinhentos, ainda mais se tu és um criador de opinião, como este "sujeito" chamado Diogo Mainardi.
Para quem não sabe, ele é colunista (ou ex-colunista) da revista VEJA (com tendências partidárias, e preconceitos intrínsecos, embora tenha que dar o crédito por algumas reportagens realmente boas). Ele é aquele típico meliante que passa faculdade na Europa coçando o saco, e volta para o Brasil para falar merda (desculpa, mas essa é a expressão mesmo). O pior é ver que tem gente que ainda dá um certo crédito a este idiota.
Assim como já ouvi falar histórias de um certo jornalista daqui do RS (não vou citar o nome, embora ele seja MUITO conhecido), que enche a boca para falar de August Rodin e Iberê Camargo, ameaça contatar a polícia quando alguns amigos graffiteiros meus em Porto Alegre estão graffitando um muro, com a devida permissão do propríetário do espaço. Cuidado com o preconceito! Ele é burro e pode fazer com que tu passes por situações de profundas pagações de mico.

Bom, depois desse "descarrego", vou colar o link da reportagem direto do site da VEJA, para que vocês mesmo leiam e tirem suas próprias conclusões. PS: Eu sou fã do Mister Maker. hehe! Então meu xingamento não é por causa disso.

http://veja.abril.com.br/130509/mainardi.shtml

Mas para não deixar por menos, vou colar aqui a resposta que o próprio Vik Muniz deixou para Mainardi, na sessão de "cartas dos leitores" na VEJA.

"Eu gostaria de agradecer a Diogo Mainardi pelo interesse e tradicional eloquência com que me criticou (ou elogiou, até agora não sei) o meu trabalho. Agradeço, pois, ao Diogo, que, apesar de pessoalmente ser uma pessoa formidável, intelectualmente é um gabiru recalcado cuja única contribuição para a cultura local tem sido uma constante e enfadonha reinvenção da demagogia como forma de entretenimento. Muito obrigado por me comparar ao Mister Maker. Adoro e recomendo o programa, especialmente para o Diogo, que, como crítico de arte, demonstrou ser confuso e não enxergar um palmo além de parcos estereótipos."
Fonte: http://veja.abril.com.br/200509/leitor.shtml

Se quiserem contribuir, fiquem à vontade nos comentários, desde que eles tenham a ver com o tema exposto.

Marina Abramovic - A "avó" da Arte Performática

2011-01-17T05:18:00.000-08:00

Realmente devo admitir que não sou muito fã de Arte Performática. Tudo isso é uma questão de gosto, creio eu, assim como há pessoas que gostam de coisas ou não. Sinceramente, penso que para você conseguir adentrar no significado da Arte, especialmente ela performática, seja por Lygia Clark ou Hélio Oiticica, você tem que ter um pensamento desprendido e com congnições diferenciadas das pessoas que possuem os pés mais no chão, como eu. Isso é apenas uma opinião pessoal.
Mas eu realmente tive que abrir a minha guarda para esta grande artista contemporânea nascida em Belgrado - Sérvia (antiga Iugoslávia) que com certeza mexeu muito com o significado de toda a arte. E que rendeu um trabalho meu ao final da faculdade, inspirado no trabalho dela com Arte Performática.
Marina Abramovic é uma alma diferenciada, sem dúvida, e é praticamente impossível não nos chocarmos ao assistirmos às suas performances que beiram a insanidade ou a morbidez.
Ela tem total desprendimento pelo próprio corpo, não se importando em machucá-lo ou exibi-lo nu se for em nome de sua arte.
Vou mostrar algumas performances de sua autoria, para que vocês entendam o que estou querendo dizer.

Esta acima chama-se "Rythm 10", original de 1973. Esta versão que apresento é uma versão do DVD que fala a respeito da sua Arte, chamado "The Star", filmando em 1999. Vejam e tirem suas conclusões sobre os comentários que fiz anteriormente.

Essa performance é a minha preferida de Marina Abramovic, chamada "Art must be beautiful", que significa em inglês, para quem não sabe "Arte deve ser bonita", onde ela repete em um transe de insanidade constante as frases "Art must be beautiful. The artist must be beautiful."

Essa é outra performance interessante, chamada "How we in balkans kill the rats" (Como nós em balcãs matamos ratos), um trabalho sem dúvida autobiográfico, a respeito de suas memórias. Para quem não entender o que ela disse, abaixo encontra-se toda a tradução e explicação do "método" de transformar ratos em lobos.
Eu gostaria de contar a vocês uma história de como nós nos Balcãs matamos ratos. Nós temos um metódo de transformar um rato em um lobo, nós fazemos um lobo-rato. Mas antes de eu explicar este metódo, eu gostaria de contar a vocês sobre os ratos em especial. Primeiro de tudo, ratos consomem uma vasta quantidade de comida, algumas vezes o dobro do peso deles próprios. Seus dentes frontais nunca param de crescer e eles tem que estarem abaixados constantemente por causa do risco de sufocamento. Ratos cuidam bem de seus familiares. Eles nunca param de matar ou comer os membros de sua própria família. Eles são extremamente inteligentes. Einsten uma vez disse: "Se um rato fosse 20 quilos mais pesado, seria definitivamente o dominador do mundo." Se você colocar um prato de comida e veneno na frente de um buraco, o rato irá senti-lo e não comer. Para capturar os ratos você tem que colocar todos os seus buracos com comida, deixando apenas um aberto. Deste jeito você pode pegar 35 ou 45 ratos. Você tem que ter certeza que você escolheu somente machos. Você os coloca em uma jaula e dá a eles somente água para beber. Depois de um tempo, eles começam a ficar com fome, seus dentes frontais começam a crescer, e mesmo assim, normalmente, eles não irão matar os membros da sua própria tribo, mas desde que eles corram riscos de sufocamento, eles são forçados a matar o mais fraco na jaula. E então, outro fraco, outro fraco, e outro fraco. Eles fazem isso até o último rato mais forte e superior deles é deixado na jaula. Agora o capturador de ratos continua a dar água para o rato. Este tempo é muito importante. Os dentes do rato continuam a crescer. Quando o capturador de ratos vê isso há somente uma meia hora antes do rato sufocar. Ele abre a jaula, pega a s faca, remove os olhos do rato e deixa ele ir. Agora o rato está nervoso, alterado e em pânico. Ele se depara com a própria morte e corre até o buraco e mata cada rato que vem ao seu caminho. Até ele vir até o rato mais forte e superior a ele. Este rato o mata. É assim que nós fazemos o rato-lobo nos Balcãs.

Tem mais alguns trabalhos via youtube, mas como eu não tenho certeza se este provedor de blog aceitaria - no caso em algumas que Marina risca, com uma faca, o próprio ventre em forma de pentagrama. Eu indico procurar no youtube. Mas a minha intenção era mostrar a natureza do trabalho desta grande artista, que, literalmente, dá o seu sangue pela Arte.

O Sorriso de Monalisa (2003) - Download .avi Dublado

2011-01-11T08:44:00.000-08:00

Sei que faz muito tempo que não atualizo o blog por estar na correria do tcc, relatórios de estágio, questões da formatura, minha mudança pra Porto Alegre. Só pude sentar agora para atualizar este blog que está entregue às moscas, desde outubro do ano passado sem atualização.
Como considero importante atualizar o blog trazendo novas perspectivas de Arte, e disponibilizando links de Download sobre filmes de Arte interessantes, mais uma vez estou atualizando, desta vez para falar do longa "O Sorriso de Monalisa", de 2003, estrelado por Júlia Roberts e Kirsten Dunst.

A sinopse encontra-se abaixo, extraída do Wikipedia:

Recria a atmosfera e os costumes do início da década de 1950. Conta a história de uma professora de arte que, educada na liberal Universidade de Berkeley, na Califórnia, enfrenta uma escola feminina, tradicionalista – Wellesley College, onde as melhores e mais brilhantes jovens mulheres dos Estados Unidos recebem uma dispendiosa educação para se transformarem em cultas esposas e responsáveis mães. No filme, a professora irá tentar abrir a mente de suas alunas para um pensamento liberal, enfrentando a administração da escola e as próprias garotas.

Comentários:

É um filme sem dúvida que vale a pena ver para quem curte uma boa comédia romântica, em um final de semana, sozinho ou acompanhado.
Não é um filme biográfico ou para quem quer estudar sobre arte, mas mostra bem o universo dos anos 1950 nos Estados Unidos. A Arte serve apenas como um pano de fundo para o desenrolar da história, que se concentra na Professora Katherine Watson (Julia Roberts) e em suas alunas, que estão estudando para serem boas esposas e donas de casa - leia-se "amélias".
As alunas são os pilares do filme juntamente com a professora Katherine:

Betty Warren (Kirsten Dunst):
A mais "certinha", que quer posar de boa esposa, influenciada pela mãe, é Betty Warren, que é uma pessoa que vive de aparências, e não tem muitos sentimentos com relação aos outros.

Gisele Levy (Maggie Gyllenhaal) :
Representa o lado oposto da amiga Betty Warren, mostrando-se uma mulher independente (avançada demais para a época) que quer apenas curtir e as coisas boas que ela dá.

Joan Brandwyn (Julia Stiles):
É a mais centrada das quatro amigas. Seu sonho sempre foi ser advogada, mas isso bate de frente com o seu sonho em ser uma boa esposa e ter uma família.

Connie Baker (Ginnifer Goodwin):
É considerada a "gordinha" do grupo, a que tem mais problemas de auto-estima, e pensa que nenhum rapaz vai se interessar por ela.

A professora quer que suas alunas sigam suas vidas de forma independente, com um olhar com certeza avançado para a época em que se encontra. Tanto é que é questionada várias vezes durante o filme sobre por que nunca se casou, rendendo comentários maldosos das próprias alunas e do corpo docente da escola tradicional na qual leciona.

Há alguns furos no filme, como o fato da Instituição Welleslley College (verídica) permitir que suas aulas estudassem Arte Moderna, ao contrário do que é apresentado no filme, onde a professora Katherine encontra problemas ao mostrar o mundo contemporâneo.

A minha sincera opinião é que é um filme que não pode ser visto a sério. Não que não seja um filme bom, mas a Arte não é tratada como ponto principal, e sim pano de fundo para a história dessas 5 mulheres. Nada de errado com isso também.
Ele tem pontos excelentes como a caracterização das personagens, os ambientes, a visão tradicional e machista da mulher nos anos 1950.
Outro ponto interessante é a visita das garotas a um galpão, onde a professora lhes apresenta obras do famoso pintor Jackson Pollock, que estava fazendo muito sucesso naquela época. O filme se passa em anos antes de sua morte, em 1956.

Como eu falei, é uma comédia romântica. Mas quem curte comédia romântica e Arte, tenho certeza de que vai gostar.

O Download encontra-se abaixo, dividido em 7 partes, que devem ser unidas pelo programa HJSplit. Como está dublado, obviamente não há legendas para baixar.

Parte 1 - Parte 2 - Parte 3 - Parte 4 - Parte 5 - Parte 6 - Parte 7

Qualquer problema no download, é só me comunicar via comentário que eu vou resolver o problema.

Camille Claudel (1988)

2010-10-02T06:41:00.000-07:00

Ano: 1988

Duração: 175 minutos

Direção: Bruno Nuytten

Roteiro: Bruno Nuytten / Marilyn Goldin

Elenco: Isabelle Adjani, Gérard Depardieu, Laurent Grévill, Alain Cuny, Madeleine Robinson

Sinopse (Fonte: Wikipedia): Em Paris, em 1885, a jovem escultora Camille Claudel entra em conflito com a sua família burguesa ao tornar-se aprendiz e ,depois, assistente do famoso Auguste Rodin. Quando ela se transforma em amante dedo mestre (que já é casado), cai em desgraça junto à sociedade parisiense, embora tenha amigos do porte do compositor Claude Debussy. Depois de quinze anos de tortuoso relacionamento com Rodin, Camille rompe o romance e mergulha cada vez mais na solidão e na loucura. Por iniciativa de seu irmão mais novo, o escritor Paul Claudel, é internada em 1913 num manicômio.

Divulgo aqui um filme importantíssimo para os estudantes de Artes Visuais ou apreciadores desse um clássico cult francês dos anos 1980.
Camille Claudel conta a história da artista que nasceu em 1864 e viria para marcar a história do Impressionismo francês. Infelizmente, em muitos casos, ela é conhecida apenas por ser a amante do renomado escultor contemporâneo à epoca de Camille, August Rodin.
Gérard Depardieu, como sempre, consegue captar cada personagem que faz. Pessoalmente, sou muito fã do trabalho dele, e neste, ele está simplesmente esplêndido! E a bela Isabelle Adjani ganhou inúmeros prêmios por sua atuação como a artista depressiva, que passa até o fim dos seus dias em um hospício.
Numa escala de 0 a 10, indico 10 pra esse filme. Com certeza vale a pena ver.

Para juntar as partes do download, é necessário ter o programa HJSplit.

Camille Claudel (1988). avi
CD1
Parte 1 - Parte 2 - Parte 3 - Parte 4 - Parte 5 - Parte 6 - Parte 7

CD2
Parte 1 - Parte 2 - Parte 3 - Parte 4 - Parte 5 - Parte 6 - Parte 7

Legendas em Português:
CD1 - CD2

Modigliani (2004)

2010-09-18T07:27:00.000-07:00

Depois de um tempinho sem atualizar, volto aqui para trazer um filme - item obrigatório para quem estuda Artes Plásticas.

No cenário boêmio/artístico parisiense dos anos 1910, Modigliani é um artista italiano de origem judaica que busca o seu espaço no cenário da arte. Tem como arqui-rival o artista espanhol Pablo Picasso, com o qual tem uma relação ambígua de ódio/amizade.

O filme mostra em parte o preconceito e a perseguição existente por causa da religião de Modigliani, além dos problemas com álcool e tuberculose, que o levaram ao óbito em 1920.
Também é abordada aqui a relação amorosa entre o artista e a estudante francesa Jeanne Hébuterne, com quem tem uma filha em 1918, e sobre os problemas que sofre com os pais da moça por conta de religião - já que eles eram católicos fervorosos.
A única crítica que eu faço, em geral para todos os filmes com produção norte-americana é o fato de que o filme inteiro é falado em inglês, pouquíssimas partes em italiano (por conta da origem do artista), sendo que se passa na França. Parece que os norte-americanos têm preguiça de ler legendas!
Apesar desse único defeitinho, o filme vale a pena, e Andy García está simplesmente esplêndido no papel de Amadeo Modigliani.

Para quem ficou curioso, ou interessado, o download do filme encontra-se abaixo EM .AVI. Saliento aqui novamente, que para juntar os arquivos, precisa-se do programa HJSplit.

MEGAUPLOAD:
Parte 1 - Parte 2 - Parte 3 - Parte 4 - Parte 5 - Parte 6 - Parte 7

Legendas em Português AQUI

Banksy, Zezão e o Duo 6emeia

2010-09-06T16:59:00.000-07:00

Com o intuito de buscar sobre o trabalho de diversos artistas que merecem reconhecimento na Arte Contemporânea, escreverei essa postagem falando a respeito destes três artistas que trabalham com intervenção urbana.

O primeiro deles é britânico, e executa um trabalho notável com estêncil, já utilizando as falhas nas paredes ou outras superfícies para realizar as suas intervenções. Banksy têm um apelo político-social em seus trabalhos, os quais sempre denunciam algum podre da sociedade contemporânea.

O Duo 6emeia é representado por dois artistas graffiteiros - Anderson Augusto, conhecido como SÃO e Leonardo Delafuente, conhecido como DELAFUENTE. O que mais chama a atenção no seu trabalho é o fato de eles trabalharem meramente com bueiros. Os bueiros das grandes cidades são a tampa de toda a podridão que corre por debaixo, nos esgotos. Essa dupla consegue tornar o cenário citadino um pouco mais interativo, fazendo com que as pessoas olhem e apreciem o seu trabalho.Para quem quiser ver mais fotos a respeito do trabalho destes dois artistas, indico o Flickr dos próprios.

Já Zezão vai mais além e trabalha DENTRO dos esgotos de São Paulo. É uma forma de chamar a atenção da sociedade para o que ela considera invisível ou inexistente, que é a situação do lixo. Inclusive, nos mostra que pessoas sobrevivem dentro deste universo putrefato, no qual máscaras de gás são acessórios não somente necessários, mas imprescindíveis. Zezão não tem apenas um trabalho inovador, como a estética dos seus traços (geralmente feito em arabescos e os mais conhecidos em tons de azul e azul marinho) chama muito a atenção, o que faz o seu trabalho singular, já que os tons vivos que Zezão cobre as galerias de esgoto preenchem a sujeira, o escuro e o vazio das mesmas. Inclusive é até interessante divulgar a reportagem do profissão reporter que fizeram a respeito dele.

Outro vídeo que fala a respeito do seu trabalho.

Arte Contemporânea não significa apenas "fazer" readymades (sim, isto foi um trocadilho), mas também inovar o contexto da obra de Arte trabalhando questões mais relacionadas à nossa vida atual, e não está fora disso o destino do lixo, as coisas nas quais passamos por cima todos os dias sem nos darmos conta de que aquele pode ser um espaço artístico tão valoroso quanto o do museu.
Esses trabalhos nos mostram o quanto a nossa sociedade absorveu o conceito do "descartável" a ponto de passarmos todos os dias batido por espaços que poderiam nos dar boas e divertidas ideias de interagir.
Essas questões sendo abordadas por pessoas como Banksy, Zezão e o Duo 6emeia já é um avanço para uma humanidade que adquire e joga fora, inclusive as pessoas e os seus sentimentos.

120 anos de Man Ray

2010-08-27T11:02:00.000-07:00

Baseado em uma reportagem que o MoMA fez a respeito desde grande artista, trago aqui a minha contribuição, já que hoje fazem exatos 120 anos do nascimento deste pintor e fotógrafo norte-americano.
Man Ray, nick de Emmanuel Radnitzky, nasceu em South Philadelphia, Pensilvania, filho de imigrantes russos de origem judia. A família Radnitzky foi obrigada a mudar de nome, já que havia uma discriminação étnica anti-semitista na época. Manny era o apelido de Emmanuel, que mais tarde adotou o pseudônimo de Man Ray.

Fonte: Wikipedia em inglês - tradução

Man Ray teve contato com a arte desde tenra idade, quando estudava ainda no Boy's High School, de 1904 a 1908, onde ensinavam técnicas básicas de desenho técnico. Isso além de ir a museus de Arte para analisar a obra de grandes mestres da pintura, o que consequentemente fez com que ele optasse por uma carreira artística em detrimento da arquitetura, ofertada como bolsa de estudos para ele.
Sendo assim, Man Ray tinha aspirações de se tornar um artista profissional, e já trabalhava em ilustrações para algumas empresas em Manhattan.
Seus primeiros desenhos eram feitos sob o estilo de artistas do século XIX, mas com o passar do tempo, quando passou a frequentar esporadicamente o National Academy of Design e o Art Students League; e mais tarde, em 1912, o Ferrer School, Man Ray começou a se desenvolver artisticamente, criando enfim o seu próprio estilo.
Já em 1913, conheceu e tornou-se amigo de Marcel Duchamp, que lhe propôs a ideia de fazer pinturas que retratassem o movimento (não preciso lembrar que o Futurismo é dessa época). Isso se nota bem na obra chamada "A corda dançarina acompanha a si mesma com Sombras" (The Rope Dancer Accompanies Herself with Shadows), de 1916.

Em 1915 tem a sua primeira exposição individual e em 1918 começa os seus experimentos com fotografia.
Deixando um pouco a pintura de lado, Man Ray passa a se envolver com o movimento dadaísta, contribuindo mais no sentido da Fotografia, no experimento e manipulação de imagens. Mas assim como Duchamp, conhecido por criar o conceito do "ready made" (que significa "já pronto", no qual objetos do cotidiano passam a ser usados como obras de arte sob um contexto diferente daquele ao qual usualmente são destinados), Man Ray realizou algumas obras nesse sentido também, a exemplo da obra "The Gift", de 1921, "Enigma of Isidore Ducasse" e "Aerograph", feito de caneta aerográfica sobre vidro, de 1919.

Ray juntou-se a Duchamp para publicar uma edição edição do New York Dada em 1920. Man Ray alegou que os experimentos dadaístas não eram páreo para as selvagens e caóticas ruas de Nova Iorque, e escreveu "Dada não pode viver em Nova Iorque. Toda Nova Iorque é dada, e não tolerará um rival". Sendo assim, Man Ray mudou-se para Paris já em 1921.

Estabeleceu-se em Montparnasse, onde conheceu muitos artistas europeus, e nos próximos 20 anos deixaria a sua marca na fotografia. Várias pessoas famosas na época posariam para as suas lentes, dentre elas James Joyce (poeta irlandês influente), Gertrude Stein (uma famosa colecionadora de arte e conhecida entre os artistas parisienses - a qual aparece no filme Modigliani, como uma simpática senhora com uma bengala), Jean Cocteau (artista e poeta francês), Bridget Bate Tichenor (pintora mexicana) e Antonin Artaud (ator e poeta francês).

Com Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Juan Miró e Pablo Picasso, Man ray participou da primeira exibição surrealista na Galerie Pierre, em Paris, 1925. Trabalhos dessa época incluem "metronomo com um olho" (metronome with an eye), originalmente entitulado "objeto para ser destruído" (Object to Be Destroyed). Outro importante trabalho dessa etapa da vida de Man Ray é o "Violon d'Ingres" (1924), uma deslumbrante fotografia de Kiki de Montparnasse (que foi amante de Man Ray), inspirada no artista neo-clássico e músico Ingres. O trabalho é um exemplo popular de como Man Ray poderia justapôr diferentes elementos na sua fotografia no sentido de gerar significado.

Junto a Lee Miller, que era sua assistente e amante, Man Ray inventou a técnica da solarização. E também criou uma técnica usando fotogramas que ele chamava de raiografias, que ele descrevia como "puro dadaísmo".

Man Ray dirigiu uma série de curtas de vanguarda, conhecido como Cinéma Pur, tais como: Le Retour à la Raison (2 mins, 1923); Emak-Bakia (16 mins, 1926); L'Étoile de Mer (15 mins, 1928); and Les Mystères du Château de Dé (20 mins, 1929). Man Ray também auxiliou Marcel Duchamp com o seu filme Anemic Cinema (1926) e Fernand Léger no seu filme Ballet Mécanique (1924). Man Ray também apareceu no filme de René Clair, Entr'acte (1924), em uma breve cena jogando xadrez com Duchamp.

Morreu em 1976 de uma infecção pulmonar. Na sua lápide estava escrito: Despreocupado, mas não indiferente.

Citações:

"Eu não fotografo a Natureza, fotografo as minhas visões."

"Eu pinto o que não pode ser fotografado, que vem da imaginação ou dos sonhos, ou do inconsciente.

"Eu fotografo as coisas que eu não desejo pintar, as coisas que já tem uma existência."

"Eu sou acusado de ser um humorista, mas a mais bem sucedida arte para mim envolve o humor."

"Um original é uma criação motivada pelo desejo. Qualquer reprodução de originais é motivada pela necessidade. É maravilhoso que nós somos a única espécie que cria formas sem fundamento. Criar é divino, reproduzir é humano."

Artigo do MoMa: traduzido para o Português. Versão em inglês disponível aqui.

O Museu de Arte Moderna, MoMA destaca, Nova Iorque: O Museu de Arte Moderna, revisado em 2004, publicado originalmente em 1999, p. 126.

Um fotograma é uma figura feita no papel fotográfico sem o auxílio de uma câmera. Para fazê-lo, Man Ray expos o papel a luz pelo menos três vezes. Cada vez uma diferente série de objetos agiam como um estêncil: um par de mãos, um par de cabeças se beijando, e duas bandejas, que eram vistas quase como se estivessem se beijando com as suas quinas. A cada exposição, o papel escurecia onde não era marcado.

"É impossível dizer quais planos da figura podem ser interpretados como sendo próximos ou profundos no espaço. A figura é uma invenção visual: uma imagem sem um modelo real para nós compararmos." , nota o curador John Szarkowski. Um surrealista poderia dizer, em vez disso, que isso revela uma realidade mais preciosa, já que é invisível.

Man Ray alegou ter reinventado o fotograma não muito depois de ter emigrado de Nova Iorque para Paris em 1921. Portanto, de fato, a prática já existia desde os primeiros dias da fotografia, ele estava se justificando no senso artístico, nas suas mãos o fotograma não era apenas uma cópia mecânica, mas uma aventura imagética imprevisível. Ele chamava seus fotogramas de "raiografias."

No MoMA, um olhar sobre um momento essencial para Matisse

2010-08-25T11:14:00.000-07:00

Esta é uma reportagem que eu tirei do site do MoMA, na qual fala a respeito de uma exposição, em 2003, que reuniu obras do próprio artista Matisse. A reportagem é uma tradução para o português que trago na íntegra, e quem quiser ver o link do site oficial, em inglês, acessa aqui.

"24 de agosto de 2010 - Por Lloyd Schwartz

Em 2003, o Museu de Arte Moderna realizou uma importante mostra comparando Pablo Picasso e Henri Matisse, talvez os dois maiores pintores europeus do século XX. Eles eram amigos e rivais; influenciaram e ainda colecionaram os trabalhos um do outro.
Agora uma maravilhosa nova mostra no MoMA - 'Matisse: Invenção Radical, 1913-1917'- sugere a ideia de que Matisse era muito diferente de Picasso. O mestre espanhol, praticamente sinônimo de Arte Moderna, tinha um irrefreável senso de direção. Ele procurava um estilo - o Período Azul, o Período Rosa, Cubismo - e quando ele ia a fundo em algum deles, mudava para outro.
Mas num período de quatro anos, Matisse investiga que o desenvolvimento do artista emerge de uma forma muito menos linear, não dividida em simples capítulos. Matisse parecia tentar classificar diferentes coisas ao mesmo tempo, e assim ele produziu algumas de suas maiores pinturas. Mas deve ser difícil para qualquer um que não é um historiador de arte estabelecer o trabalho em uma ordem cronológica.
Artistas modernos estavam tentando encontrar novas formas de olhar o mundo, fugindo de imagens descritivas nas tradicionais três dimensões - descobrindo os mais vivos e simples - e também mais complexos - jeitos de transmitir essas imagens. Ainda antes do período central sublinhado nesta exibição, nós vemos Matisse fazendo experimentos com dimensões, um tipo de processo de achatamento no qual as imagens se tornam menos literais e mais simbólicas. Uma de suas mais estranhas e mais originais pinturas, 'Banhistas com Tartaruga', é de 1908, logo um ano depois da pintura cubista de Picasso Demoiselles d'Avignon, na qual os corpos de cinco mulheres foram transformados de seres humanos arredondados para figuras contornadas e fragmentadas com máscaras africanas no lugar dos rostos. As figuras de Matisse ainda são mais misteriosas: três nus simplificados, quase como desenhos de criança. Ele não oferece explicações sobre por que eles estão alimentando uma tartaruga, ou por que uma delas tem seus dedos colocados na boca. Como nós podemos dizer se este é um casual incidente ou um ritual profundo? Isso importa? Manchas horizontais de azul abstrato representam um pano de fundo de água e céu. É como Cezanne, mas mais radical. A Arte Moderna está só começando.
Durante a mostra, nós vemos Matisse sendo desafiado pelos mesmos problemas que os seus contemporâneos mais célebres enfrentaram. Mas Matisse parecia estar se movendo para trás e para os lados, bem como para frente. E através da tecnologia do raio-X, os curadores estavam aptos para traçar o próprio processo de Matisse. Nós agora sabemos que ele estava deliberadamente modificando seus espectros de cores deslumbrantes, ou mudando a posição de suas figuras. E em muitos lugares, em vez de esconder algumas de suas mudanças, ele na verdade nos deixa observá-las - como se as próprias figuras estivessem se movimentando em torno da superfície das telas.
O clímax da mostra inclui duas de suas mais extraordinárias pinturas, ambas combinadas num extremo de abstração com legíveis imagens figurativas. As duas são gigantes, mas one delas é monumental e hierática, e a outra dolorosamente triste. Uma é 2,4 m por 3,6 m 'Banhistas por um rio', do Instituto de Artes de Chicago, onde esta mostra se originou. Matisse 'retrabalhou' esta pintura durante todo o período coberto pela exibição, mudando de uma cena de praia de tons pastel leves para um exótico Eden, um gigantesco ícone com quatro semideusas delineadas em um painel vertical, com uma sinistra - ou seria benigna - cobra branca surgindo com a cabeça do fundo da tela. Nós sentimos algo intensamente simbólico, mas Matisse não sentiu a necessidade de explicar a iconografia.
A outra peça é da própria lição de piano do MoMA, uma tela de 2,4 m de altura que descreve filho mais novo de Matisse nas teclas, com sua mãe ou professora de piano num banco mantendo um olhar sombrio. Eu cresci em Nova Iorque, e esta foi uma das minhas pinturas preferidas desde que eu era grandinho o bastante para ir a museus. A Lição de Piano também tem mistérios, nesta combinação de geometria fria e intimidade tocante. A sombra no rosto do menino repete o metrônomo triangular no piano. E um triangulo verde maior cruza a sala. Trata-se de de um feixe inquietante de luz? É como se o tempo estendesse sua própria sombra sobre tudo, incluindo a juventude e a própria arte.
Essas duas ótimas pinturas, originadas de um período de crescimento artístico, que emergiu da complicada busca de Matisse por direção, uma busca que deu muitas voltas antes do artista encontrar a sua direção. Ou estas voltas eram a verdadeira direção de Matisse?"

Cindy Sherman - Arte performática ou fotografia?

2010-08-23T17:48:00.000-07:00

Achei muito interessante o trabalho desta artista norte-americana, portanto resolvi trazê-lo para o blog, a fim de mostrar o quanto algumas formas de arte se encontram tão bem relacionadas.

Cindy Sherman (19 de janeiro de 1954) é natural de Glen Ridge, Nova Jersey, e tem um trabalho notável em fotografia, especialmente naquelas em que aparece como protagonista de seus próprios trabalhos.

Antes de virar fotógrafa, Cindy pintava no período em que estudou no Buffalo State College, mas sua frustração devido às suas limitações a fizeram começar a trabalhar com fotografia. Segundo ela própria "Não havia nada mais a dizer [através da pintura](...) Eu estava meticulosamente copiando outra arte e então eu pensei que eu poderia apenas usar uma câmera e colocar os meus esforços em uma ideia instantânea."

Na sua série mais famosa, Sherman trabalha tirando fotos de si mesma, e por mais incrível que possa parecer, ela trabalha sozinha, sem a ajuda de assistentes. Aborda toda a questão do universo feminino e da estereotipação da mulher - apesar de ela mesma afirmar que suas obras não contêm sentido ideológico feminista; onde ela retrata mulheres de diferentes épocas do século XX, especialmente de um modo quase cinematográfico, já que as suas fotografias parecem cenas de cinema.

Citações:

"Não posso trabalhar sem ela. E tem que ser bem relaxante, porque se não, eu fico de mau humor. Trabalho com um controle remoto, então eu posso mudar CDs instantaneamente se eu precisar." (Sherman falando sobre sua necessidade de ter música enquanto trabalha).

"Não quero fazer uma arte 'nobre', eu não tenho interesse em usar a pintura, quero encontrar alguma coisa que alguém possa se relacionar sem saber sobre arte contemporânea. Eu não estava pensando em termos de preciosas impressões ou arquivos de qualidade; não quero que o trabalho pareça comodidade."

"Quando faço o meu trabalho, fico tanto tempo concentrada enquanto estou trabalhando nas minhas séries. Eu fico tão esgotada que nem quero mais chegar perto de uma câmera."

"Eu me sentia culpada no começo; foi frustrante ser bem sucedida enquanto um monte de amigos meus não. Também, estava constantemente lembrando daquelas pessoas da minha família fazendo piadas."

"Se eu soubesse como a foto seria, eu não a faria. Era quase como se ela já estivesse pronta... O desafio era mais sobre tentar fazer o que você não pode pensar."

"O trabalho é o que é e curiosamente parece com um trabalho feminista, ou um trabalho reflectivo-feminista, mas eu não vou sair por aí expondo teorias idiotas sobre coisas feministas."

Referências:

Wikipedia

Sonhos (1990) - Opinião e Links para download

2010-08-02T20:17:00.000-07:00

Mais uma vez, abordando o tema da sétima arte, trago aqui uma discussão sobre um filme que talvez muitas pessoas não conheçam.
Estou falando do filme Sonhos (Dreams), de 1990, dirigido por ninguém menos que Akira Kurosawa (1910-1998). Pra quem não sabe, o Kurosawa foi o cineasta mais influente do Japão, além de ter influenciado diversos diretores de cinema contemporâneos.

O filme trata de diversos sonhos que o Kurosawa teve durante a vida, alternando entre sonhos e pesadelos. Apesar de serem sonhos, os diálogos trazem mensagens muito interessantes e que nos levam a reflexão. Temas universais como morte e vida, e temas contemporâneos como a poluição no planeta, e até uma alusão à bomba de Hiroshima, que atingiu o Japão em 1945.
Há várias referências a elementos do folclore japonês, como os youkais e a mulher das neves. O ritmo do filme é diferentede qualquer filme ocidental, já que ele é um pouco "lento" para quem não está acostumado a filmes do gênero. Apesar de ser um filme de produção americana, nota-se que a estética é toda japonesa.
Ele é o que eu chamo de filme/obra-de-arte já que ele foi feito pra fruir-se dele, para aproveitar cada pedacinho, desde a história e o enredo, até as paisagens, a fotografia, e a natureza.
Algo inclusive que eu quero chamar a atenção é para as cores. Notem que os sonhos são sempre coloridos e cheios de vida, em contra-partida com os pesadelos que são em tons mais sombrios e análogos.
Para quem ficar meio "perdido" depois ou durante o filme, a respeito de alguns folclores japoneses que aparecem, indico este link do wikipedia, que fala das histórias. Mas atenção: contém spoilers!
Uma coisa interessante a ser dita é que o próprio diretor Martin Scorsese interpreta o Van Gogh, em um dos sonhos.
Mais que isso não irei contar, para não estragar a surpresa! Mas garanto que quem gosta de arte e aprecia um bom filme não vai se decepcionar! O filme é simplesmente fora de série.

Links para download (MEGAUPLOAD) - Formato .avi:
CD1:
Parte 1
Parte 2
Parte 3
Parte 4
Parte 5
Parte 6
Parte 7

CD2:
Parte 1
Parte 2
Parte 3
Parte 4
Parte 5
Parte 6
Parte 7

Legendas: CD1, CD2

Observação: para unir as partes, tem que se usar o programa HJSplit, comando JOIN!

Os gatos na História da Arte

2010-07-31T23:25:00.000-07:00

Puxando um pouco a sardinha pra minha brasa felina, mais uma vez, vou aqui escrever um pouco sobre os bichanos, que são a minha paixão desde a minha infância.
Gosto de gatos porque conseguem olhar bem no fundo da nossa alma, captando aquilo que nem as pessoas mais próximas poderiam perceber. São bichinhos meigos, independentes, sensitivos, elegantes, a contradição perfeita, por assim dizer! Há quem prefire cachorros, o que respeito profundamente, porque são os melhores amigos do homem.
E da mulher? Vocês devem ter percebido que do lado direito do blog há uma referência que fiz aos bichanos, que já fazem parte da minha vida. Pra mim, eles representam todo o lado feminino (por isso os coloquei como melhores amigos da mulher). Gatos, principalmente gatas, são a feminilidade contida em um ser.
Ultimamente, andava tão envolvida com eles na minha temática sobre arte (sobretudo fazendo desenhos de observação e esculturas em argila da minha gatinha pelagem escama-de-tartaruga, a Norah) que pensei: "Por que não?"
Porque não utilizar um xodó meu para acrescentar alguma coisa para as outras pessoas que gostam de bichanos ou que gostem de curiosidades sobre a arte.

Conceito dos gatos no decorrer da história

"No Antigo Egito os gatos eram adorados devido a sua associação com a Deusa da Lua, Pasht, de cujo nome acredita-se ser derivada a palavra "puss", que significa "bichano" em inglês. A Deusa Bast, que representa o sol, também foi identificada com gatos, e é retratada com a cabeça de um gato. Quando os gatos morriam, eram mumificados e seus donos mostravam seus sentimentos raspando as sombrancelhas em sinal de luto." (fonte: Site Osgatos)

Os gatos foram se popularizando até chegar na Europa, sobretudo a espécie do gato persa, original do Irã. Até aí, os gatos eram admirados. Só que na Idade Média, eles seriam demonizados ao serem relacionados com a bruxaria e o paganismo, no que podemos observar naquela velha superstição do gato preto dar azar. "Uma pessoa que fosse vista ajudando um gato, principalmente gatos pretos, estava sujeita a ser denunciada como bruxa e a sofrer tortura e morte." (fonte: Site Osgatos)

Já no Japão, é justamente o contrário. Tanto é que tem pra vender aqueles biscuis de gatinhos com uma patinha levantada (maneki neko), que quer dizer sinal de boa sorte. O gesto é simbólico, e cheio de significados. O gato é um animal sensitivo, portanto respeitado.

Artistas que utilizaram o gato como temática

Leonardo Da Vinci: Abaixo temos um estudo feito pelo mestre acerca de gatos. É dele a célebre frase: "O menor dos pequenos felinos é por si só uma verdadeira obra-prima."

Pablo Picasso: Tinha dois gatos, e fez alguns quadros envolvendo-os. Abaixo a tela óleo de "Um gato pegando um pássaro" datada de 1939.

Pierre-Auguste Renoir: Este também pintou quadros retratando os bichanos. Temos como exemplo o "Julie Manet com gato" (1887). Detalhe para a expressividade contida no felino.

Aldemir Martins: O artista brasileiro naturalmente adorava gatos, já que eles se encontram em vários quadros seus. Se quiser ver as imagens, clica aqui.

Iberê Camargo: Iberê tinha um xodó, o gatinho Martim, e fez sobre ele diversos estudos. Pra quem quiser dar uma conferida e ler este artigo do próprio site do artista, clica aqui. Curioso o detalhe que o gato morreu 1 ano depois do artista.

Romero Britto: Romero Britto opta pelos estilos alegres e juvenis, algo que combina plenamente com gatos.

Monacat - serigrafia

O gato azul - Técnica Giclê (várias impressões em altíssima qualidade)

Utagawa Kuniyoshi: 100 gatos japoneses (gravura)

Marilyn Robertson: Thomas o gato

Algumas curiosidades:

Ainda há a chamada pintura corporal para gatos! Nos Estados Unidos, elas custam 15 mil dólares! Pra quem quiser dar uma conferida, olhe este blog AQUI.

Apesar de eu não ter encontrado nenhum trabalho do Dalí com relação a gatos, encontrei esta foto abaixo, que ele está com uma espécie de gato, que se não é, é muito parecido com uma jaguatirica.

Little Ashes - Um pouco da vida de Salvador Dalí

2010-07-21T17:41:00.000-07:00

A partir desse post, vou começar a acrescentar todos os filmes que tenho disponíveis. Como vejo que a maior parte dos blogs que disponibilizam links acaba dando uma mensagem de erro como "este arquivo foi excluído", ou algo do tipo, vou começar a uploadeá-los para que vocês possam ver os filmes que estou indicando. Até por que, ninguém vê graça no brigadeiro quando ele está em uma folha de revista, mas quando tu podes comê-lo, aí já são outros quinhentos.

Neste post, disponibilizarei o link do filme "Little Ashes", ou "Pequenas Chamas", de 2008. O filme conta com a participação da estrela da saga Crepúsculo, Robert Pattinson, que até então para mim, pelo menos, não era um grande ator. Mas confesso que passei a respeitá-lo um pouquinho mais depois deste filme, já que não é qualquer um que consegue retratar o excêntrico pintor Salvador Dalí.
Acho que poderiam ter escolhido um ator mais adequado para o filme? ACHO! O Pattinson de fato, não é um mau ator, só que ele não se parece com o Salvador Dalí em aparência física. E apesar de reconhecer que ele realmente se esforçou para interpretar esse difícil e polêmico personagem, ainda enxergamos muito de "Edward Cullen" em Salvador Dalí.
Fora que já é um erro o filme ser em inglês... Não existe coisa mais patética do que colocar em inglês com sotaque levemente espanholado um filme que deveria ser todo em espanhol.

No entanto, só para frisar, que apesar desses detalhes técnicos, o filme em si não deixa a desejar!

Só para lembrar que o Dalí não é o personagem principal deste filme, e sim o escritor Frederico García Lorca, que fora executado durante a Guerra Civil Espanhola, em 1936 (pouco antes de estourar a Primeira Guerra Mundial).
O filme fala do relacionamento homossexual de ambos, mostrando o contexto da Arte da época, inclusive. Penso eu, como estudante de Artes, que o filme poderia ter abordado mais o processo artístico do Dalí, mas só o fato de terem exibido "Un chien andalou" (abaixo), que foi o filme que ele fez em parceria com o Luis Buñuel (que também aparece no filme), em 1929. ~~Obs: Se acaso apagarem o vídeo do youtube, procurem pela internet no Youtube mesmo ou no Google.~~

Pra quem não tem certeza se quer baixar o filme, preferindo ver primeiro o trailer, disponibilizo abaixo o trailer de Little Ashes.

Little Ashes (2008) - Legendado - Formato RMVB - 357 Mb => CLICA AQUI

Qualquer problema com o download, coloque nos comentários.

Arte Computacional: A Arte e a Tecnologia

2010-07-02T09:34:00.000-07:00

"O flerte entre arte e tecnologia acompanha a história da humanidade, mas hoje as possibilidades de criação são tantas que é difícil estabelecer a fronteira entre uma e outra." (Fonte: SESC- SP)

Estava há horas para escrever um post a respeito entre a arte e a tecnologia. Já havia escrito outro a respeito da divulgação da arte escultórica e pictórica através da fotografia, disponível neste link. No entanto, não havia tratado do assunto da tecnologia digital na execução de obras de arte, e na composição de instalações.

Como disse a frase que tirei do site do SESC de São Paulo, como eu mesma queria dizer, a Arte é o reflexo de todo um paradigma da sociedade em dadas épocas.

Estava até comentando isso com o meu namorado, que é estudante de História, que a Arte foi o primeiro meio de se descobrir como pensava uma sociedade antiga, já que ela antecede inclusive o advento da escrita, que passou a ser a mais importante prova de cultura de uma dada civilização.

O maior exemplo disso são os desenhos nas cavernas, conhecidos como "arte rupestre". Claro que se sabe que o homem tinha um objetivo "mágico" com aquela arte, segundo vários historiadores de arte, incluindo Hauser. "(...)Nesta fase de vida exclusivamente prática, tudo girava, como é óbvio, em torno da mera preocupação de arranjar alimentos.(...)" (Hauser, 1982)

Por isso mesmo, que seria quase imprescindível que a Arte acompanhasse a tecnologia no sentido de trazer novas visões a esta área e sobre um novo olhar sobre a vida e a própria sociedade.

Atualmente, ter um computador, ou um celular tornou-se uma obrigação para quem vive em um mundo digital, onde tem-se acesso a internet, e consegue-se uma gama muito variada de informações em um curto período de tempo.

A Arte Computacional veio para isso, para complementar o conceito de Arte Contemporânea.

Só que as competências exigidas pelos artistas computacionais são diferentes das exigidas pelos artistas de antigamente, mais tradicionais, com outros conhecimentos.

A experimentação começou no final dos anos 1950, bem no limiar entre o que se chama de Arte Moderna e Arte Contemporânea.

Inclusive eu já havia abordado sobre os artistas que fizeram nome dentro da arte cinética, inclusive até um artigo individual sobre o artista brasileiro Abraham Palatnik, que trabalhou muito a parte da tecnologia em seus trabalhos e instalações.

Para quem é leigo, esclareço aqui o que é instalação. Instalação é o ambiente criado pelo artista a fim de torná-lo a sua própria obra de arte. Em vez de confeccionar uma escultura ou uma pintura, o artista cria todo um ambiente para que a sua arte seja fruída.

A instalação é uma das formas mais conhecidas de Arte Contemporânea e pode ser encontrada em qualquer exposição de museu de quaisquer artistas contemporâneos.

O que será tratado nessa postagem é justamente a contribuição da arte computacional para a arte contemporânea, sendo que a maior parte delas são feitas a partir de instalações, seja através de projeções, monitores, e até mesmo trabalhos escultóricos se utilizando de peças de computador (apesar que esta última é considerada uma arte conceitual).

Vou dar alguns exemplos de artistas renomados que fizeram seu nome e cima da arte computacional. Como são trabalhos gráficos, geralmente com movimentos, postarei vídeos que encontrei no youtube.

Mutation - Yoichiro Kawaguchi, 1992

Crossborders - Michel Chevalier, 2007

"A evolução da forma" (The Evolution of Form) - William Latham e Stephen Todd, 1989

Pissenlits - Edmond Couchot e Michel Bret 1988-2005

Waldemar Cordeiro

Referências

Wikipedia

UnB

UniRio

Vsites - UnB

Abraham Palatnik

2010-07-01T12:44:00.000-07:00

Como havia prometido no post anterior, trago aqui um tópico inteirinho sobre este que foi o pioneiro da arte cinética no Brasil.

Abraham Palatnik merecia uma postagem a parte por ter repensado a maneira de fazer arte, tendo sido um dos principais artistas a revolucionar a arte brasileira do século XX.

O artista é um típico exemplo do criador que consegue mesclar elementos da Física com as Artes, com as suas máquinas que projetam luzes (aparelho cinecromático), e seus "objetos cinéticos", que são trabalhos escultóricos semelhantes aos "móbiles" de Alexander Calder, só que alguns deles com elementos de imantação (ímãs), oferecendo o movimento de atração ao repulsão.

Assim como a postagem feita sobre o "ferro fluido", quero deixar bem claro que a Arte e a Física podem sim andar de mãos dadas. Inclusive é importante salientar que novos processos artísticos tornam-se mais ricos quando oriundos dessas duas áreas.

Cronologia:

19/02/1928: Nasce Abraham Palatnik em Natal, Rio Grande do Norte.

1932: Muda-se com a família para a região onde atualmente é Israel.

1942- 1945: Estuda na Escola Técnica Montefiori em Tel Aviv e se especializa em motores de explosão (o que irá influenciá-lo mais tarde na sua criação artística).

1943- 1947: Frequenta o Instituto Municipal de Arte de Tel Aviv.

1948: Retorna ao Brasil, fixando residência no Rio de Janeiro. Conhece Mário Pedrosa, que o indicará, anos mais tarde, para expor na 1ª Bienal Internacional de São Paulo.

1949: Começa os seus estudos com luz e movimento, estudando a sua influência nas cores.

1951: Expõe seu primeiro aparelho cinecromático na 1ª Bienal Internacional de São Paulo (1951), obtendo menção especial do júri internacional (apesar da relutância dos organizadores de aceitarem o seu trabalho, por ele não se encaixar em nenhuma das categorias previstas).O seu aparelho consiste na manipulação de luzes coloridas que misturadas formam diferentes aspectos em uma superfície branca.

1953-1955: Participou do Grupo Frente.

1962: Inventa um jogo de percepção "O Quadrado Perfeito", e obtém copyright.

1964: Cria os Objetos Cinéticos.

1997: Participa da 1ª Bienal do Mercosul.

Análise da obra:

Assim como os artistas abordados na postagem anterior, Abraham Palatnik trabalhou muito a questão do movimento em seus trabalhos de arte. Segundo ele próprio, inicialmente, ele não tinha a intenção de fazer dos conhecimentos que obteve na escola técnica em Tel Aviv, verdadeiras obras de Arte.

A ideia de arte contemporânea estava engatinhando quando Palatnik começou a pensar a usar aparelhos eletrônicos como um novo conceito em Arte.

Trabalhou não somente a questão do movimento dentro das Artes Visuais, como também acrescentou a problemática da luz como arte em si. Em vez de usar pigmentos, que já conhecia muito bem, trocou-os pelas luzes coloridas, que misturadas , lhe dava os tons dos mais diversos, causando sensações estéticas bem interessantes.

Apesar de ter sido rejeitado inicialmente na participação da 1ª Bienal Internacional de São Paulo, pelo fato de não terem conseguido enquadrar o aparelho cinecromático em qualquer categoria, Abraham teve a sorte de alguns artistas não exporem, e assim, tendo preenchido a vaga, e ironicamente tendo sido reconhecido pelo júri internacional.

Os seus trabalhos que merecem maior destaque são:

O aparelho cinecromático (1964).

O quadrado perfeito (1962), tabuleiro de madeira, peças de resina poliéster 37 x 37 cm:

Fonte: Flickr de ARTexplorer

Os objetos cinéticos (1969/2001):

Seus quadros que subentendiam movimentos e relevos:

Relevo progressivo - C-68 - 2000

Papel cartão e madeira
70 X 64 cm

sem título - 2003
acrílica sobre madeira
111,5 X 147 cm

Progressão K-48 -1989
acrílica e cordas sobre tela
150 x 180 cm

W-159 - 2007
acrílica sobre madeira
105 x 152,5 cm

Por fim...

Para complementar o conhecimento sobre esse importante artista, disponibilizo alguns vídeos que encontrei no Youtube e no Uol Vídeos, incluindo uma entrevista com o próprio artista, que ainda vive e trabalha no Rio de Janeiro.

Referências:

Enciclopedia Itaú Cultural

Biografia do artista no Itaú Cultural

Santander Cultural

Nara Roesler

Cinetismo: a Arte em movimento

2010-06-25T11:07:00.000-07:00

Procurando trazer mais coisas interessantes para o blog, saindo um pouco do universo do graffiti, no qual ando inserida desde o começo das correrias com estágio e tcc, resolvi elaborar uma pesquisa a respeito do Cinetismo ou Arte Cinética, para divulgar aqui os artistas que trabalharam com a impressão visual do movimento dentro das Artes Visuais.

Essa corrente artística foi formada por um grupo de artistas que buscavam através das ilusões de óptica, das sobreposição de peças ou figuras, nos dar uma determinada impressão movimento.

O nome "Cinetismo" ou "Arte Cinética" ficou mais conhecido depois da exposição Le Mouvement des Images, em Paris, 1955, que mostrou artistas que tratariam unicamente da questão do movimento nas suas obras de Arte.

O Futurismo - Os percursores

"(...)3. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa, o êxtase e o sono. Queremos exaltar o movimento agressivo, a insônia febril, a velocidade, o salto mortal, a bofetada e o murro.

4. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo... um automóvel rugidor, que parece correr sobre a metralha, é mais belo que a Vitória de Samotrácia.
5. Queremos celebrar o homem que segura o volante, cuja haste ideal atravessa a Terra, lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita.(...)" Fragmento do Manifesto Futurista, publicado em 1909, no jornal francês Le Fígaro, por Filippo Marinetti.

O primeiro exemplo de uma vanguarda conhecida que estudou a influência do movimento nas Artes Plásticas foi o Futurismo. "Mesmo as pinturas e esculturas futuristas estão fora daclassificação da Arte Cinética, embora o Manifesto Futurista contivesse o germe da idéia de Arte Cinética." (Stango, 1991, p.150 )

O Futurismo foi uma vanguarda artística originada da Itália, e teve seu manifesto escrito em 1909 por Filippo Marinetti, um poeta italiano de ideais fascistas.

Essa vanguarda literária e artística apoiava a guerra, as máquinas, a tecnologia, e era totalmente contra os moralismos, o passado e alimentava o desprezo pelas mulheres.

De acordo com o seu ideal que vangloriava as máquinas, os futuristas tinham uma relação muito próxima com o movimento em si (alusão ao movimento frio das mesmas), e apesar de não terem sido considerados como "Arte Cinética", são sempre citados quando se fala em uma arte que priorizava o movimento. Apesar de ser uma vanguarda também literária, o que iremos tratar aqui é a sua contribuição para o Cinetismo.

Umberto Boccioni: Mais conhecido artista da vanguarda futurista. Apesar de também ter sido um notável pintor, a sua obra mais conhecida que serviu de grande contribuição à Arte Futurista foi a sua escultura "Formas Únicas de Contrinuidade no Espaço", que representa o movimento constante de um nu humano, ao correr ou caminhar. Apesar do material original da escultura ser de gesso, as versões mais conhecidas são feitas de bronze. Abaixo, a sua obra, de 1913.

Depois de Boccioni, temos famosos pintores da vanguarda futurista que também exerceram grande influência, são eles: Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini. Se usavam da ilusão de óptica para criar a impressão de movimento dentro dos seus quadros. Passando a observá-los, vemos a agressividade contida nos ideais do Futurismo.

Carlo Carrà; "Funeral do anarquista Galli", 1910-1911

Óleo sobre tela

Luigi Russolo, "Dinamismo de um Automóvel", 1912-13,Óleo sobre tela

Giacomo Balla, "Automóvel Acelerando", 1912;

Óleo sobre madeira.

Gino Severini, "Dançarino", 1912, Pastel sobre papel.

Le Mouvement des Images, 1955

Seria impossível não falar dessa famosa exposição ocorrida no Centro Georges Pompidou - Beaubourg, em Paris.
É a primeira exposição que mostra o movimento como verdadeira preocupação com os artistas, que utiliza diretamente a denominação de "Arte Cinética". Participaram dela, artistas como Marcel Duchamp (1887-1968), Alexander Calder (1898-1976), Vasarely (1908), Jesus Raphael Soto (1923) Yaacov Agam (1928), Jean Tinguely (1925), Pol Bury (1922), entre outros. (Fonte: Uol Educação)

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp com os seus "Nu descendo a escada" (Óleo sobre tela, 1912) e "A passagem de Virgem a Noiva" (Óleo sobre tela, 1912) são clássicos exemplos de obras que exploram o movimento na pintura.

Alexander Calder

A contribuição de Alexander Calder se deu através dos seus famosos mobiles. A quem quiser saber mais sobre o trabalho de Calder e a sua colaboração com a Arte Cinética, indico que leia o artigo que outrora escrevi unicamente sobre ele. CLICA AQUI

Victor Vasarely

Considerado o pai da Op. Art (Optical Art), trabalhava meramente com ilusões de óptica e tridimensionalidade com pinturas.

É, no entanto, o período entre 1950-60 (período Black and White) que marca definitivamente o trabalho de Vasarely, uma vez que ao introduzir pela primeira vez a sugestão de movimento sem existir movimento real, cria uma nova relação entre artista e espectador (que deixa de ser um elemento passivo para passar a interpretar livremente a imagem em quantos cenários visuais conseguir conceber), desenvolvendo e definindo os elementos básicos do que será conhecido como Op rt -um stilo e técnica que permanecerá para sempre ligado ao seu nome. (Wikipedia)

Trabalhos da fase "Black & White", fase na qual Vasarely expôs no Le Mouvements des Images

Jesus Raphael Soto

É um artista venezuelano que também participou da exposição de 1955, em Paris.

"Nasceu na Ciudad Bolívar, Venezuela. Começou sua carreira artística como um um garoto que pintava pôsteres de cinema em sua cidade natal. Ele recebeu treinamento artístico em Caracas, dirigiu a Escuela de Artes Plasticas em Maracaibo de 1947 até 1950, quando foi para Paris e começou seu trabalho com Yaacov Agam, Jean Tinguely, Victor Vasarely, e outros artistas ligados ao Salon des Realités Nouvelles e à Galerie Denise René." (traduzido do English Wikipedia)

A ideia de introduzir o movimento na pintura é tão antiga quanto a arte. Talvez apareça de forma mais evidente em algumas obras como as de Miguelângelo ou como as dos artistas barrocos, nos quais o desejo de projetar as figuras no espaço e dar a ilusão de que estão se movendo em todas as direções torna-se uma insistência às vezes obsessiva.

De forma mais conceitual, é com Cézanne e com os cubistas quando começa a aparecer uma "quarta dimensão" dinâmica, que acabará por se concretizar em casos isolados como as máquinas de Gabo e Duchamp, ou os móbiles de Calder.

Mas penso que é mérito da nossa geração ter conseguido que se assumiram, de forma já irreversível e a escala mundial, a arte transformável e a participação do espectador. Quando digo nossa geração, me refiro a todos os artistas cujo processo é marcado, no seu início, pelo choque revolucionário dos descobrimentos da ciência moderna a respeito da instabilidade da matéria e da ambiguidade do espaço, uma vez que se apoia na noção de estrutura pura. Essa noção desenvolvida através de vias e meios muito diversos permitiu uma verdadeira introdução do movimento na obra de arte, no que vem a chamar-se de "Arte Cinética".

Devo acrescentar que nunca falamos entre nós de "cinetismo", mas sempre de arte cinética, pois de maneira alguma consideramos o desenvolvimento individual de nossas investigações como "ismo", nem como uma escola ou movimento. (Extraído do site oficial do artista, no qual explica a sua visão de Arte Cinética, traduzido do Espanhol)

Parallèlles interférentes (1952) Répétition optique N°2 (1951)

Yaacov Agam

"Como um experimentador apaixonado, Agam joga com a problemática da quarta dimensão, simultaneamente com o visual, artes plásticas, e extendeu seus experimentos para aplicações nos campos da literatura, música e teoria da Arte.

Seus trabalhos expressam um conceito que quebra a estabilidade como expressão de realidade limitada. Em seus trabalhos, ele se empenha para demonstrar o princípio de realidade como uma continuidade "tornado-se" mais que uma "imagem gravada" estática" (Fonte: AEJV, traduzido para o Português)
Abaixo, duas serigrafias suas: "Ano Livre" (1990) e "União Azul" (2004).

Jean Tinguely
Artista suíço também conhecido como um dos fundadores do "Novo Realismo", de 1960, no qual se utiliza de objetos do "lixo cotidiano" da sociedade consumista contemporânea para fabricar as suas esculturas.
Suas esculturas têm um aspecto de "máquina". Abaixo, Heureka (criado em 1964 e presente até hoje em Zurique), Méta-Maxi-Maxi Utopia, (1987, Museum Jean Tinguely, Base) e Tools85 (1985).

Por fim...

Há muitos artistas que se preocupam com o movimento, com a anti-estabilidade da Arte. Com o tempo pretendo acrescentar ao blog mais artistas que trabalhem com esta problemática, como o Abraham Palatinik e Theo Jansen, que acabaram ficando de fora. No entanto, pretendo abordá-los em tópicos individuais, já que o seu trabalho tem uma importância maior para a Arte Contemporânea Brasileira e Internacional.

Referências:

MoMa
FalconMotorcycles
Huntfor
Educação UOL
Revista HUN da UFBA
Revista Cinética
Site Oficial de Vasarely
Site Oficial de Jesus Raphael Soto

A vida por trás do traço

2010-06-23T16:26:00.000-07:00

Desde que me dei por gente, costumava ser perfeccionista com os meus desenhos. Tinha por eles um carinho todo especial, e queria que saíssem exatamente do modo que eu os tinha pensado.
Sendo assim, utilizava a borracha toda a hora, o que fazia muitas vezes o papel ficar marcado ou muitas vezes rasgar-se.

Não muito incomum, vejo os meus alunos fazendo a mesma coisa... Decepcionados consigo mesmos ou de má vontade, afirmam que não sabem desenhar. Às vezes fico pensando se eu pudesse transmitir a eles o que eu penso a respeito dessa alegação, tão simplista, tão preconceituosa... Fazê-los ver que não precisam tornarem-se Michelângelo ou Rafael para aprenderem a dominar os traços.

Não somente crianças se portam assim. As pessoas adultas no geral têm uma grande dificuldade em se desligar do resultado final e preocupar-se em aprimorar-se durante o processo. Em aperfeiçoar o traço como um todo. É o que procura o estudo de caligrafias chinesas e japonesas... A VIDA existente no traço. Já reparou como o desenho fica morto quando é retocado inúmeras vezes com a borracha?

O desenho é muito mais do que um conjunto de formas figurativas intencionais em um papel, ele transmite a ansiedade do traço, a leveza ou brutalidade com a qual o ser humano se utiliza de uma ponta com tinta sobre um papel.

Infelizmente, só consegui me dar conta do que eu própria estava fazendo, ao utilizar tanto a borracha, ao entrar na faculdade. É muito triste que tenhamos essa cultura de apagar tudo aquilo que achamos feio.

Quando me dei conta disso, abandonei o lápis e a borracha, e passei a trabalhar unicamente com caneta. A caneta devolveu vida ao meu desenho. Em vez de apagar os meus traços, eu os complementava, para que dessem mais impressão de realidade. Não era somente um traço que determinava o meu desenho, e sim o conjunto de traços que acabava por si só dando origem a uma nova forma, que no final acabara saindo melhor até do que eu havia imaginado.

As pessoas deveriam pensar no desenho mais como uma terapia ocupacional, sem a intenção de fazer dele um grande trabalho de arte condizente com a realidade visível. A câmera fotográfica digital já nos dá tudo que precisamos, registrando com exatidão tudo que podemos ver. Mas o desenho pode demonstrar aquilo que a câmera não consegue captar: a vida por trás do traço.

Wild Style - filme

2010-06-01T16:52:00.000-07:00

Wild Style é um filme de 1982, que se passa no Bronx - N.Y., e é um filme obrigatório para quem quer conhecer o graffiti nos Estados Unidos no início dos anos 80. Foi o primeiro filme tratando da cultura Hip Hop.

O filme não é muito conhecido, digo que não é um filme que tu encontres facilmente, tanto é que tive que traduzir legendas em espanhol e completar algumas de ouvido para que pudesse concluir o entendimento sobre o filme.

O filme fala de Ray, um jovem graffiteiro interpretado por Lee Quiñones (que é um graffiteiro de verdade, bem como a maior parte dos atores-graffiteiros do filme), que aproveita a noite para pixar os estacionamentos de trem sob o pseudônimo de "Zorro". Ninguém sabe quem é Zorro, até Ray ser convidado para dar uma entrevista para uma repórter, que representava o interesse das grandes galerias de Arte.

Não é preciso lembrar que as pixações que eles fazem nos trens são taxadas de vandalismo pela sociedade, e que frequentemente esses artistas correm riscos de serem presos. O filme trata bem dessas questões entre o que é arte e o que é vandalismo. Sobre o graffiti estar ou não perdendo a sua identidade ao ir para as galerias de arte, já que como dizia o próprio Ray "o graffiti está nos trens, nos muros... não pode ser feito em quadros."

O filme também agradará quem curte um bom rap, já que a grande expectativa está na "Jam" (disputas de rap, onde os rappers rimam no improviso, sempre tentando rebaixar o adversário) que será feita no anfiteatro da cidade. Inclusive é até bom lembrar que dois grandes grupos ícones fazem uma boa participação nesse filme, que são os Fantastic Freaks e o Cold Crush.

Nessas minhas procuras por conteúdos relacionados ao graffiti, deparei-me com esta pérola da cultura hip-hop. Disponibilizarei o trailer do filme, bem como o link que será redirecionado para um site que terá os links para download para quem se interessar em baixar os filmes. As legendas tu só encontras nesse blog, já que não encontrei em lugar algum legendas em Português, então tomei a liberdade de traduzir do espanhol e algumas partes eu tirei de ouvido do inglês mesmo. Espero que vocês aproveitem, já que o arquivo está nos links abaixo do trailer.

DOWNLOAD DO FILME AQUI

Legendas em Português só se encontra AQUI

Jean-Michel Basquiat: a porta de entrada do graffiti para as galerias de arte

2010-06-01T16:17:00.000-07:00

A ideia de escrever um artigo sobre Michel Basquiat partiu inclusive do projeto de estágio que estamos fazendo a respeito de ensinar graffiti para turmas de Ensino Fundamental e Médio. É importante trazer a realidade do graffiti, tão presente nas ruas, para as escolas, já que ela é o que está em alta desde os anos 1970.

E não tem como falar de graffiti sem tocar no nome de Basquiat. Basquiat era filho de um haitiano com uma porto-riquenha. Começou a andar com graffiteiros na metade dos anos 70, onde conheceu Al Diaz, um graffiteiro muito importante da cena nova-iorquina da época.

Basquiat foi o pioneiro não nessa arte, mas pioneiro em ser reconhecido pelos museus de Arte, a ponto de ter as suas obras leiloadas a quantias milionárias. Todas essas conquistas suas foram graças também ao famoso artista do movimento pop-art Andy Warhol, que tornou-se amigo de Basquiat e juntos fizeram diversos trabalhos.

Basquiat sofreu preconceito na elite artística das galerias de arte pelo fato de ser negro, ainda mais sendo filho de estrangeiros da América Latina. Basquiat teve uma vida conturbada pelo uso e abuso de drogas, e sua arte não era compreendida.

Seu estilo chama a atenção pelo seu aspecto rude, infantil e selvagem. Seus desenhos assemelham-se a trabalhos de crianças, com letras, palavras e frases escritas, que compoem a sua obra.

Basquiat era um "writer", ou seja, escrevia nas ruas, sob o pseudônimo de "SAMO" ou "SAMO shit" (que é uma sigla de "Same Old Shit", ou "A mesma merda de sempre").
Basquiat viveu uma vida conturbada, com abusos de drogas, das quais Andy Warhol queria que ele se livrasse. No entando, em 1986, com a morte de Andy, a vida de Basquiat pareceu que havia perdido o seu caminho, já que o seu tutor havia falecido. E Basquiat não levava muito bem as críticas do mundo da arte, e o preconceito por ser um negro em um mundo de brancos (as galerias de arte, representadas pelas elites brancas).

Jean-Michel Basquiat morreu em 12 de agosto de 1988, vítima de um coquetel de drogas pesadas.

Um filme em 1996 foi feito em sua homenagem, entitulado "Basquiat", para quem quiser entender mais sobre a vida do artista. Abaixo disponibilizo um trailer (e depois das referências o link para download do filme), já indicando para quem se interessa por arte urbana, intervenção e graffiti. Jeffrey Wright interpreta Basquiat e David Bowie interpreta Andy Warhol (que por sinal está magnífico no papel!). O filme também conta com a atuação de grandes estrelas como Benício del Toro, Dennis Hopper (que Deus o tenha!), Gary Oldman, Claire Forlani, Christopher Walker, William DaFoe, e Courtney Love. Portanto eu realmente indico!

Para quem quiser ver imagens dos seus trabalhos, disponibilizo links nas referências.

Referências:

SmartTwentCrazy

LINK PARA DOWNLOAD DO FILME AQUI

Graffiti como ferramenta pedagógica

2010-04-26T19:11:00.000-07:00

Andei ausente por algum tempo por estar preocupada com os meus estágios, já que estou no último ano do curso de Artes, da FURG (conforme diz o meu perfil no blogger).
Só que, ao invés de procurar um tema novo, que tal trazer a preocupação do estágio e compartilhá-la no blog? Há tempos estava preocupada sobre que assunto abordar com uma turma de 5ª série do ensino fundamental.
Inicialmente, eu e a minha companheira de estágio Natália, tínhamos em mente trabalhar com papel com as crianças. Engano nosso na nossa primeira observação de aula no CAIC, que é uma escola de ensino fundamental vinculada a nossa universidade. As crianças eram muito dispersas, e agitadas, como qualquer turma NORMAL de 5ª série. Vimos ali que não daria certo trabalhar com um tema que exigisse tamanha concentração e habilidade motora.
Fora que não estávamos trabalhando com um assunto que provavelmente interessasse a eles. Então em meio às nossas conversas inclusive com a professora Rita Patta Rache, tivemos a brilhante ideia de trabalhar o graffiti em sala de aula.
Mas por que o graffiti? Como o graffiti influencia tanto na vida dessas crianças?

A resposta parece mais simples de ser respondida. O problema das aulas de Arte do ensino fundamental, especificamente, é a falta de conexão entre os conteúdos programáticos (normalmente visando a história da Arte europeia) e a realidade de vida dos educandos.
Procurar uma oportunidade de Ensino de Artes em meio a uma cultura que se difundiu na periferia é um excelente modo de trazer de volta à mente dos alunos uma aula que vise estimular a criatividade, e o encontro da identidade do pré-adolescente.
Artes nas aulas geralmente é conhecida como a "aula do 'tudo pode'". Geralmente acaba virando bagunça por uma falta de conteúdo fixo, como as outras disciplinas. Por isso que é importante que os professores se atentem a isso, e se usem dessa lacuna das Artes para que eles mesmos passem a analisar os interesses dos alunos e tragam até eles uma cultura que realmente lhes dirá algo, que fale a sua língua.
O ensino de Artes é um assunto muito delicado, porque o professor deve orientar os seus alunos procurando interferir ao mínimo a produção do educando. Não deixá-lo largado com o "laissez-faire", mas ao mesmo tempo não criar uma aula rígida, onde os alunos se sintam presos.

Uma verdade bem interessante que aprendi é: O conteúdo deve adaptar-se aos alunos e não o contrário.
Claro que disciplina é importante e um professor deve ter o chamado "domínio de turma". Um livro interessante que comprei nesse final de semana, justamente preocupada com essa questão, foi um do Celso Antunes entitulado "Professor bonzinho = aluno difícil: A questão da indisciplina em sala de aula". É bem interessante. É uma leitura simples, gostosa e sem rodeios. Celso Antunes simplesmente nos dá conselhos práticos sobre como trabalhar com as turmas. Ensina a sobre como impor autoridade sem ser autoritário.

Esse texto foi somente uma explanação sobre a ideia que tive de trabalhar com estas crianças a respeito do graffiti. Quanto ao conteúdo do graffiti, pretendo trazê-lo conforme o andamento das aulas, e dando a minha narrativa. Espero que isso sirva de ajuda para professores ou estagiários como eu, já que ideias são sempre boas, e a gente está sempre aprendendo e ensinando ao mesmo tempo.

Referências (não estão segundo a ABNT):

"A arte-educação cria elos com o cotidiano?" - José Augusto Avancini; Porto Alegre, 1995.

"A Pluralidade cultural e o ensino de Arte" - Ivone Mendes Richter; Ijuí, 2004.

"Resistência à aprendizagem" - Filosofia Espírita para crianças; http://www.universoespirita.com.br

A arquitetura portuguesa em Rio Grande - RS

2010-03-28T16:41:00.000-07:00

Mais uma vez puxando a sardinha para minha brasa, gostaria aqui de dedicar um post exclusivamente a respeito da arte portuguesa de minha cidade, Rio Grande.

Um pouco de História de Rio Grande e do Rio Grande do Sul

Para quem não sabe, Rio Grande é a cidade mais antiga do Rio Grande do Sul fundada em 1737 pelo Brigadeiro José da Silva Paes, tendo sido elevada à vila 10 anos mais tarde. Apesar disso, Rio Grande passou pelas mãos dos espanhóis durante 13 anos (1763-1776).

A fundação da cidade é anterior à época da troca de Sacramento (até então dos portugueses) pelas Missões Jesuíticas (espanholas), firmada pelo tratado de Madri em 1750. O Estado passava por profundas transformações devido ao fim da União Ibérica, já que durante muito tempo Portugal e Espanha tiveram um só rei. Sacramento fora abandonada em 1736, já que estivera sitiada pelo governador de Buenos Aires, que tomara Montivideo também.

Sendo assim, vieram para Rio Grande para "garantir" terreno aqui. Rio Grande era uma cidade que atraía os olhares de potências europeias como a Holanda (que a tinha em seus mapas desde 1720), por causa da sua ligação com o mar através de seu porto, o que facilitava o comércio. "A escolha do lugar, com o estabelecimento de estâncias de gado, permitiu apoiar as comunicações por terra entre Laguna e Colônia do Sacramento. Assim, foi fundada a cidade mais antiga do Rio Grande do Sul de colonização portuguesa - uma vez que no espaço que hoje compreende o estado do Rio Grande do Sul já existiam os Sete Povos das Missões, de domínio espanhol, sendo que algumas cidades oriundas dessa formação jesuíta existem até hoje." (Wikipedia)

Anos mais tarde, em 1763, Rio Grande viria a sofrer com a invasão de espanhóis, que levaria a imigração de açorianos a ir para Viamão e Porto Alegre (o que explica e muito o fato da cidade ter crescido mais, já que em 1773 a cidade mudou o nome de "Porto dos Casais" para Nossa Senhora Madre de Deus de Porto Alegre). Essa imigração já vinha ocorrendo desde 1752, mas com a invasão dos espanhóis, ela acabou se intensificando nessa região.

Os espanhóis fizeram literalmente "gato e sapato" de Rio Grande, tendo destruído muitos de seus prédios, saqueado, tudo antes dos portugueses reconquistarem Rio Grande em 1776. Mas, já era tarde demais para recuperar o seu posto como capital do RS, já que Porto Alegre já era a capital do RS já faziam 3 anos.

Mas afinal... Quem são os açorianos?

Para quem não sabe, os Açores são um arquipélago afastado de Portugal, mas que faz parte de Portugal. Se alguém que me ler aqui e for português, por favor, me corrige se eu estou dando alguma informação errada. Mas pelas fontes que li, é isso mesmo.
Os açorianos são formados por povos de cristãos novos (judeus convertidos por questões de perseguição) e flamengos que se estabeleceram naquela região.
Os açorianos começaram a sofrer com a superpopulação em meados do século XVII, tendo sido transferidos para cá por decisão da coroa portuguesa, que conseguiria resolver dois problemas de uma vez só. Ao mesmo tempo que a coroa portuguesa queria resolver esse problema da superpopulação, queria gente para ocupar as terras ao sul do Brasil, para evitar dominação espanhola.
Lembrando que isso tudo foi durante a época em que Portugal e Espanha brigavam pela supremacia cada qual de seu país no Brasil, na época da colonização.

Crítica de uma rio-grandina

Rio Grande é caracterizada pelo seu grande número de igrejas, um museu de arte sacra, e muitos prédios antigos. Mas gostaria aqui de fazer uma espécie de crítica, porque os prédios antigos em nossa cidade são muito mal preservados, principalmente aqueles que se encontram na rua Bacelar, que é conhecida como Calçadão. Alguns comerciantes ou grandes lojas não tem o mínimo de sensibilidade de preservarem aquele que é o patrimônio histórico de nossa região, colocando pôsteres e imagens grandes e descontextualizadas à frente das fachadas de gesso dos prédios antigos. (Fotos ao final do Post).

Atualmente, alguns foram reconstruídos para dar lugar a colégios (como o Kyrius na Aquidaban) ou a festas (como muitos na Av. Presidente Vargas ou do lado do próprio Kyrius na Aquidaban).

O mais lamentável é que Rio Grande tem muitos museus, como o centro municipal de cultura (que também abre espaço para outras manifestações de natureza cultural, como a música e a dança), o sobrado dos azulejos (que possui toda uma arquitetura tipicamente portuguesa), só que estes são raramente visitados pela população local, a exceção da nata intelectual da cidade.

Igrejas, museus, e prédios no geral

Aqui, vou me deter somente a analisar os prédios de nossa cidade.

A nossa cidade tem uma influência muito forte vinda por parte do Catolicismo, apesar de nossa cidade conter das mais diversas etnias. Portanto podemos dizer que o patrimônio artístic0-cultural envolvendo arte sacra é mais ou menos 70% de toda a arte contida em Rio Grande.

Temos as mais diversas igrejas em Rio Grande, merecendo destaque a Igreja Anglicana El Salvador (na Vitorino), a Igreja do Carmo (um forte ponto turístico), a Igreja do Bonfim (na Duque de Caxias), e é claro que a mais antiga igreja (ou capela...) do Rio Grande do Sul, que é a Matriz de São Pedro. Isso fora as tantas capelas que temos espalhadas pela nossa cidade, e outras igrejas também igualmente ricas em detalhes de arte. Abaixo, a igreja anglicana El Salvador, e arte em azulejo retratando Jesus Cristo, bem na entrada da Igreja.

É interessante até ressaltar o fato da Igreja do Carmo ter um aspecto neogótico, devido aos detalhes de sua fachada, e pelos arcos ogivais, tendo a vertical predominando sobre a horizontal. Deixando bem claro que o estilo neo-gótico esteve em alta no século XIX na Europa, lembrando sempre que o Brasil sempre exportou modelos exteriores de arte e arquitetura (incluindo aqui Rio Grande e o Rio Grande do Sul). A Igreja do Carmo é rica em detalhes não somente em seu exterior, com as suas esculturas no topo do prédio, como também em seu interior, que contém muitos vitrais, esculturas sacras, teto ornamentado. Esse final de semana pretendo acrescentar mais imagens a este post. E mostrarei exatamente aquilo que quero dizer.

Já a Matriz de São Pedro, conhecida como a igreja mais antiga do RS, tem uma arquitetura bem menos ornamentada do que a Igreja do Carmo, além de ser bem menor. Mas em aspectos históricos, é a igreja mais importante da cidade. Sua entrada foi mantida ao longo dos anos, passando por inevitáveis reformas, que sempre tentavam mantê-la como o original. Apesar de ter sido atacada pelos espanhóis, durante a ocupação espanhola em Rio Grande, ela é mantida praticamente como a original, de 1756. O altar foi roubado na retirada dos espanhóis, que foram para o sul. Resultado: o altar da Matriz de São Pedro, o original, encontra-se em uma capela do Forte Santa Teresa no Uruguai.

Neste link, a Igreja do Bonfim (a de Rio Grande, não a da Bahia!). A Igreja do Bonfim foi construída em 1840, sob o domínio da Irmandade do Nosso Senhor do Bonfim. Curioso até afirmar que nas redondezas da igreja, tinha um cemitério. Em 1968, a Irmandade passou para Paróquia do Nosso Senhor do Bonfim.

Sei que não é de Rio Grande, mas uma igreja importante pra região é a Matriz pertencente a São José do Norte.

Outros prédios que merecem destaque. A Alfândega, que é onde funciona a Receita Federal, que faz praticamente uma "fronteira" com o Porto Velho, que era o antigo porto da cidade. Ainda temos o Sobrado dos Azulejos e o Centro Municipal de Cultura.

Abaixo temos alguns exemplos da arquitetura portuguesa em Rio Grande (as fotos são de minha própria autoria). A fachada é bem típica dos prédios portugueses, cheia de ornamentações, fora a influência notável do Rococó, da Europa.

Muitos desses prédios foram reformados, mantendo o seu aspecto original. No entando, muitos deles não somente foram negligenciados como também desrespeitados por comerciantes que colocam aqueles mega-outdoors na frente de uma fachada que poderia dar um ar sofisticado ao seu estabelecimento. Mas aí já é uma opinião pessoal.

Abaixo, para encerrar, uma cena da praça Tamandaré, onde tem várias esculturas, sobretudo do escultutor acadêmico Érico Gobbi.

Referências:

Wikipedia

Página do Gaúcho

RS Virtual

O começo do Modernismo no Brasil: A Semana de 22

2010-03-27T09:21:00.000-07:00

O evento da Semana de 1922, ocorrido no teatro municipal de São Paulo, não ocorreu por causa de alguma pretensa revolta, apesar de ter nascido em uma época em que a política do café-com-leite reinava. Surgiu como uma tentativa de criar uma cultura própria do Brasil, aproveitando o centenário da Independência.

No entanto, seria uma blasfêmia afirmar aqui que esse evento foi totalmente alheio às vanguardas européias que surgiram neste início de século. A questão está no fato que o Brasil estava "atrasado em 50 anos em cultura", como afirmou o próprio artista Oswald de Andrade, já que os padrões estéticos datavam ainda da Europa do século XIX.

Os artistas dessa semana traziam toda uma bagagem da Europa, a fim de adaptá-la aos padrões brasileiros. O Futurismo de Marinetti (do qual pretendo falar em outro post), com a sua agressividade, o Dadaísmo do grupo Cabaret Voltaire, no qual a Arte era usada quase que exclusivamente para chocar, o Expressionismo Alemão (representados pelos grupos Der Blaue Reuter e Die Brücke).

O Brasil necessitava urgentemente de um "banho" de cultura. E foi o que aconteceu nos dias 13, 15 e 17 de fevereiro daquele ano. No entanto, o público teve imensa dificuldade de aceitar as obras de Arte, devido a estranheza que elas causavam.

Artistas Plásticas

No ramo das Artes Plásticas, essa semana trouxe à tona nomes conhecidos por nós até hoje, como Anita Malfatti (1889-1964), Tarsila do Amaral (1886-1973) e Di Cavalcanti (1897-1976).

Anita foi considerada um marco e uma das principais instigadoras do movimento da Semana de 22, já que ela, anos antes (12/12/1917 e 11/01/1918) trouxe uma exposição protagonizada por ela e por nomes internacionais como Floyd O'Neale, Sara Friedman e Abraham S. Baylinson. Lembrando sempre que ela estudara nos Estados Unidos e na Alemanha, e não na França e na Itália, que eram preferência de estudantes ricos de Arte daquela época. Todavia, apesar de ser ousada e visionária em suas obras, seus trabalhos lhe renderam muitas críticas de conservadores, incluindo uma de Monteiro Lobato, considerado até então um pré-modernista.

Há alguns historiadores que defendem o fato de que Monteiro Lobato criticou, mas também elogiou a obra de Anita em muitos pontos, e que ela produziu muitas capas de livros seus na década de 1940. Portanto, não há ao certo como saber a versão correta dos fatos. Vou colar a crítica de Monteiro Lobato para que as pessoas por si só tirem suas conclusões.

"A exposição da senhorita Malfatti, toda ela de pintura moderna, apresenta um aspecto original e bizarro, desde a disposição dos quadros aos motivos tratados em cada um deles. De uma rápida visita ao catálogo, o visitante há de inteirar-se logo do artista que vai observar. Tropical e Sinfonia colorida, são nomes que qualquer pintor daria até a uma paisagem, menos a uma figura, como tão bem fez a visão impressionista de sua autora. Essencialmente moderna, a arte da senhorita Malfatti, se distancia consideravelmente dos métodos clássicos. A figura ressalta, do fundo do quadro, como se nos apresentasse, em cada traço, quase violento, uma aresta do caráter do retratado. A paisagem é larga, iluminada, quase sempre tocada de uma luz crua, meridiana, que põe em relevo as paredes alvas, num embaralhamento de vilas sertanejas, onde a minudência se afasta para a mais forte impressão do conjunto."

"Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que vêem normalmente as coisas e em consequência disso fazem arte pura... Se Anita retrata uma senhora com cabelos geometricamente verdes e amarelos, ela se deixou influenciar pela extravagância de Picasso e companhia - a tal chamada arte moderna..".

As críticas (boas ou não, dependendo do ponto de vista) de Monteiro Lobato atingiram os companheiros de Anita Malfatti, ou seja, o restante da trupe de modernistas se irritou, e defenderam a amiga em publicações, elogiando a arte de Anita.

Anos mais tarde, Oswald publicou o Manifesto da Semana de 22 na mesma editora de Monteiro Lobato, com a capa desenhada por Anita Malfatti.

Exemplos da obra de Anita: clique aqui.

Já Tarsila do Amaral conheceu Anita por causa do estúdio de Pedro Alexandrino, onde as duas estudaram juntas em 1917. Anita apresentou Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Picchia, formando juntos o Grupo dos Cinco, durante a primeira fase do Modernismo Brasileiro.

Tarsila é uma das minhas artistas brasileiras favoritas. Não só pela sua fama, mas também por causa da leveza de seus quadros, ao mesmo tempo agressivos. Coloridos com um caráter quase lúdico. Algumas de suas obras podem retratar tanto paisagens, temas sociais ou nus extremamente distorcidos e deformados (algo que lembra um pouco as obras de Matisse, só que bem mais fragmentadas e geometrizadas). Sua obra mais importante é o Abaporu, que foi dado de presente para Oswald, seu segundo marido. Foi daí que surgiu a ideia de Oswald de escrever o Manifesto Antropofágico em 1928.

Exemplos da obra de Tarsila no site oficial da artista: clique aqui.

Di Cavalcanti (1897-1976) também teve uma considerável importância no evento da Semana de 22, já que fora ele quem fizera o catálogo de divulgação da própria Semana, além de ter idealizado e organizado o evento. Di Cavalcanti era amigo de Oswald, e também um ilustrador, desenhista, pintor e caricaturista, o que ajudou e muito na aproximação dos dois.

Mais informações sobre ele, em seu site oficial: clique aqui.

Não somente as Artes Visuais foram de grande importância naquela semana, como também as poesias publicadas por Manuel Bandeira e Mário de Andrade, a música de Vila-Lobos, e os artigos de Oswald.

Para encerrar esse tópico acrescentando um "algo mais", além das Artes Visuais, gostaria de expor dois poemas de gosto pessoal meu. Um de Mário de Andrade, e outro de Manuel Bandeira.

Ode ao burguês

Mário de Andrade - Paulicéia desvairada

Eu insulto o burguês! O burguês-níquel,

o burguês-burguês!
A digestão bem-feita de São Paulo!
O homem-curva! o homem-nádegas!

O homem que sendo francês, brasileiro, italiano,
é sempre um cauteloso pouco-a-pouco!

Eu insulto as aristocracias cautelosas!
Os barões lampiões! os condes Joões! os duques zurros!
que vivem dentro de muros sem pulos;
e gemem sangues de alguns mil-réis fracos
para dizerem que as filhas da senhora falam o francês
e tocam os "Printemps" com as unhas!

Eu insulto o burguês-funesto!
O indigesto feijão com toucinho, dono das tradições!
Fora os que algarismam os amanhãs!
Olha a vida dos nossos setembros!
Fará Sol? Choverá? Arlequinal!
Mas à chuva dos rosais
o èxtase fará sempre Sol!

Morte à gordura!
Morte às adiposidades cerebrais!
Morte ao burguês-mensal!
ao burguês-cinema! ao burguês-tílburi!
Padaria Suissa! Morte viva ao Adriano!
"–Ai, filha, que te darei pelos teus anos?
–Um colar... –Conto e quinhentos!!!
Mas nós morremos de fome!"

Come! Come-te a ti mesmo, oh gelatina pasma!
Oh! purée de batatas morais!
Oh! cabelos nas ventas! oh! carecas!
Ódio aos temperamentos regulares!
Ódio aos relógios musculares! Morte à infâmia!
Ódio à soma! Ódio aos secos e molhados!
Ódio aos sem desfalecimentos nem arrependimentos,
sempiternamente as mesmices convencionais!
De mãos nas costas! Marco eu o compasso! Eia!
Dois a dois! Primeira posição! Marcha!
Todos para a Central do meu rancor inebriante
Ódio e insulto! Ódio e raiva! Ódio e mais ódio!
Morte ao burguês de giolhos,
cheirando religião e que não crê em Deus!
Ódio vermelho! Ódio fecundo! Ódio cíclico!
Ódio fundamento, sem perdão!

Fora! Fu! Fora o bom burgês!.

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Os sapos

Manuel Bandeira

Enfunando os papos,
Saem da penumbra
Aos pulos, os sapos.
A luz os deslumbra.

Em ronco que aterra,
Berra o sapo-boi:

- "Meu pai foi à guerra!"
- "Não foi!" -- "Foi!" -- "Não foi!".

O sapo-tanoeiro,
Parnasiano aguado,
Diz: - "Meu cancioneiro
É bem martelado.

Vede como primo
Em comer os hiatos!
Que arte! E nunca rimo
Os termos cognatos.

O meu verso é bom
Frumento sem joio
Faço rimas com
Consoantes de apoio.

Vai por cinqüenta anos
Que lhes dei a norma:
Reduzi sem danos
A formas a forma.

Clame a saparia
Em críticas céticas:
Não há mais poesia
Mas há artes poéticas . . ."

Urra o sapo-boi:
- "Meu pai foi rei" - "Foi!"
- "Não foi!" - "Foi!" - "Não foi!"

Brada em um assomo
O sapo-tanoeiro:
- "A grande arte é como
Lavor de joalheiro.

Ou bem de estatuário.
Tudo quanto é belo,
Tudo quanto é vário,
Canta no martelo."

Outros, sapos-pipas
(Um mal em si cabe),
Falam pelas tripas:
- "Sei!" - "Não sabe!" - "Sabe!".

Longe dessa grita,
Lá onde mais densa
A noite infinita
Verte a sombra imensa;

Lá, fugindo ao mundo,
Sem glória, sem fé,
No perau profundo
E solitário, é

Que soluças tu,
Transido de frio,
Sapo cururu
Da beira do rio...

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Referências:

Almanaque Folha

Site Oficial da Tarsila do Amaral

Wikipedia

Itaú Cultural

Site Oficial do Di Cavalcanti

Site "Pitoresco"

Arte, Artesanato e Romero Britto

2010-02-28T17:59:00.001-08:00

Depois de mais de 3 meses afastada, talvez por falta de inspirações e ideias para colocar no blog, volto com uma gama de assuntos para serem tratados de agora em diante.
Andei afastada por estar me focando mais na produção do que meramente na pesquisa, mas como nada é por acaso, queria aqui introduzir um assunto que foi o meu foco nos meus últimos 3 meses de produção em Artes e Artesanato.

Nós, como estudantes de Artes, somos obrigados a estabelecer um parâmetro de diferenciação entre a Arte e o Artesanato. Sendo que a diferença básica entre os dois, é a maneira como eles são vistos, a maneira como são utilizados, e como são feitos também.

A Arte é uma coisa única. Uma obra de museu, por exemplo, é uma obra de arte única e que somente o seu artista pode explicá-la com exatidão. Ela tem um significado simbólico, muitas vezes conceitual, quando tratamos de arte contemporânea, ou pode, muitas vezes, decorar uma casa, como os quadros antigamente que eram encomendados e considerados obras de arte.
Mas a diferença entre os dois não é tão fácil de ser entendida. Já que muitos trabalhos considerados obras de Arte são considerados Artesanato por alguns profissionais da área.

Para começar bem com o exemplo, começo aqui falando de um artista que tem dado o que falar. Estou falando de nada mais, nada menos que Romero Britto. Romero Britto é um artista brasileiro que ganhou notoriedade no exterior pelos seus quadros coloridos, alegres e com formas convexas. Lembro que muita gente comenta que até mesmo a Madonna tem quadros desse notável artista em sua casa.

Com certeza o trabalho dele é bem feito, mas não há um significado aparentemente profundo além do que ele apresenta. São quadros bonitos, alegres, até mesmo com um estilo original e PONTO. Não há nada além do "belo" e "colorido". E não há simplesmente nada de errado com isso, porque nem tudo dentro da Arte precisa vir acompanhado de um significado muito forte (assim como no Renascimento, a beleza era o principal objetivo).

Uma vez um professor meu disse que a obra dele estava mais voltada ao artesanato, e não deixa TAMBÉM de ser verdade. A obra de Romero Britto não lembra aqueles artesanatos que vemos em revistas de patchwork ou decoupage? As formas quase que estereotipadas, a facilidade e fluidez do traço, quase como uma estampa, fazem a obra dele tender para o artesanato. O que com certeza não tira o mérito desse artista, já que ele criou moda, criou um estilo, e isso mostra o quanto ele influencia pessoas a ponto de fazer fama no exterior.

Estou dando introdução a esse assunto porque pretendo tratar em uma outra oportunidade a respeito de algumas técnicas que são consideradas típicas de artesanato, mas que, com elas, podemos fazer Arte também.

Despidos de preconceito contra o Artesanato, podemos pesquisar e aprender muito com coisas que a nossa "vovó" faz. Até por que... O que impede de utilizarmos o artesanato para produzir algo realmente profundo e significativo?

Diferentes maneiras de se fazer fotografia e escultura

2009-12-08T09:37:00.000-08:00

Este deveria ser um post falando a respeito de fotografia, mas é mais do que isso, fala de diferentes maneiras de fazê-la e a sua relação com a escultura.
Mas vamos partir do princípio de que a escultura precisa da fotografia para ser divulgada. Antigamente não tinha como isso ser feito, talvez com desenhos que a reproduzissem, mas nunca seria uma reprodução perfeita.

Quando se fala em escultura, a primeira coisa que lembramos são aquelas clássicas estátuas gregas, ou mais ainda, o Davi de Michelângelo.

Mas com o passar do tempo o conceito da escultura mudou drásticamente, principalmente com a mudança do conceito de Arte no fim do século XIX. Essa mudança paradigmática que a Arte iria sofrer, daria origem a diferentes aspectos tanto na pintura como na escultura. Até pela existência da própria fotografia em si, tanto a pintura, como a escultura, tiveram que aprender a coexistir com essa nova tecnologia.

Ao contrário do que se pensava, que a fotografia acabaria com a pintura, ela passou a auxiliar tanto a pintura como a escultura, divulgando os meios pictóricos e escultóricos. Ela faz os registros, e é graças a ela, que podemos ter a informação visual que queremos . O que seria de nós sem essas reproduções fotográficas de obras de Arte?

Mais do que um meio de registro, a fotografia tornou-se um meio de fazer Arte. Assim como o desenho, elaboram-se composições para a fotografia. E pasmem! Ela está ajudando na elaboração de esculturas abstratas! E não é um material que se consiga expor em uma exposição. Assim como as gotas da querida artista Corrie White, as fotografias que encontro estão cada vez mais relacionadas com o conceito do imaginário e abstrato.

O interior do ser humano, seu mundo, suas ideias e afetos, é algo que está em alta na Arte desde Van Gogh. E nunca saiu de moda desde então. E esses artistas contemporâneos cada vez mais buscam mexer com o imaginário através de suas "fotografias-esculturas".

O primeiro que vou citar é Mehmet Ozgur, que é um artista turco, que faz um trabalho muito bacana com esculturas de fumaça. Quem se interessar mais pelo trabalho dele, disponibilizo o site do artista aqui.

O segundo nome que quero divulgar é o de Bert Hickman, que é um engenheiro aposentado que faz um trabalho muito criativo com descargas elétricas. Infelizmente, no seu flickr não constam suas fotografias com eletricidade, no entanto, o próprio Bert me indicou alguns sites que mostram o seu trabalho com a tridimensionalidade da descarga elétrica.

Um pouco diferente dos trabalhos de Ozgur, que depende meramente da Fotografia para elaborar as formas das fumaças, Bert constrói formas as suas descargas independente de fotografias, inclusive, ele até vende as suas esculturas pelo site que ele mesmo me indicou, quando nos comunicamos pelo flickr. O site contem muitas informações a respeito da natureza do seu trabalho, e sobre como ele é feito.

No vídeo acima, vemos como Bert faz as suas "luzes capturadas", como ele mesmo define o seu trabalho escultórico.Pelo que explica, ele e a sua equipe eletrizam as chapas acrílicas com equipamentos adequados, o que inclui um acelerador de eletrons de 5 milhões de volts, e raio X.
O procedimento consiste na eletrização do acrílico, que escurece devido a grande carga. Com batidas de uma ponta de metal apropriada (um equipamento apropriado para isso), as cargas são liberadas, pelo fato da ponta ser de metal, causando os efeitos vistos. E essa quebra no acrílico aparece na forma de descargas, que dão esse efeito estético interessante. Aliás, a própria estética do trabalho se consegue nessa batida da ponta de metal no acrílico, que deve ser muito bem isolado a fim de não causar choque em quem toque na escultura.
Não é um trabalho que qualquer artista possa fazer, porque além de se precisar dos equipamentos necessários, um conhecimento em eletricidade é imprescindível.

Além de Ozgur e Hickman, estava navegando pelo twitter, quando achei no site World Arts, esse artista que faz um trabalho bem interessante com Fotografia, similar a Ozgur. Estou falando do escocês Bill Millet, que tem por objetivo tirar a Fotografia do seu contexto, e direcioná-la ao pictórico. Millet faz um trabalho muito relacionado ao abstrato, tanto é que admite que um dos seus principais artistas influenciadores é nada mais nada menos que Kandinsky. Abaixo, um de seus trabalhos entitulado "Universo Paralelo".

Traduzindo do seu site, ele afirma: As imagens são primeiro esboçadas e então construídas, SEM a manipulação em computador. Eu começo com um tema básico que envolve a infindável conclusão de que não há começo e nem fim. As pinturas são uma reunião de luzes e cores, uma escultura efêmera capturada na câmera, como alguma neblina distante.
Meu trabalho é influenciado pelas pinturas de Rothko, Kandinsky e o processo da existência, o qual convoca o espectador ao trabalho ao mesmo tempo que o leva para longe. São trabalhos que provocam a meditação.
As imagens examinam o nosso papel e a nossa jornada infinita. Resumindo, nós somos compostos por átomos, todavia no contexto da escola Gestault do pensamento de que tudo é maior do que a soma das partes. Portanto, um conjunto de tijolos são irrelevantes até eles serem construídos em uma propriedade emergente, de novo e de novo, como é a viagem interminável de desconstrução à reconstrução, sob qualquer forma.

Millet faz uma reflexão sobre os seus trabalhos em seu site, tentando atribuir a ele um significado filosófico, não somente um aspecto estético e visual.

Poderia achar uma infinidade de artistas que fazem trabalhos bacanas e não muito divulgados aqui no Brasil. Mas à medida do tempo que eu for encontrando cada vez mais informações a respeito deles, eu divulgo aqui no blog.

Referências:

BBC Brasil

Site Oficial de Mehmet Ozgur

Site indicado por Bert Hickman

World Arts

Visual Osmosis - Site do trabalho de Bill Millet

Filme de arte: Pollock (2000) - Opinião e download

2009-11-26T08:25:00.000-08:00

Por sugestão do Professor Michael Chapman, assistimos a um filme que fala da vida e obra de um grande artista da metade do século XX. Estou falando do principal expoente da "action painting", o norte-americano Jackson Pollock.
Não era tão interessada na obra de Pollock até ver esse filme.

Breve comentário: Jackson Pollock era um artista norte-americano que viveu o ápice da sua arte entre os anos 1940 e 1950 (mais precisamente 1956, ano de sua morte). Jackson era um homem introspectivo, extremamente criativo, e sabia se utilizar disso em seus quadros. Mas sempre acabava se frustrando pelos altos e baixos do mundo da Arte e dos artistas, recorrendo ao álcool, que acabou levando-o à morte.
O filme também mostra muito o lado de Lee Krasner, que era a esposa do artista, que o filme mostra como sendo uma mulher de personalidade forte e decidida. Ela é um ponto importante no filme, já que é o pilar de Pollock, e sem ela, ele não teria chegado onde chegou.
O filme conta com a atuação brilhante de Ed Harris (que também fez o Show de Truman), com Marcia Gay Harden, Jennifer Connelly e Val Kilmer.
O trailer encontra-se aí embaixo.

O download do filme é dividido em 8 partes no CD1 e 7 no CD2, que por sua vez formam os arquivos .avi do CD1 e do CD2. É um pouco grande, mas vale a pena, porque um filme desses compensa se for assistido em qualidade de DVD. As legendas encontram-se logo abaixo. Para quem tiver alguma dúvida para unir os arquivos, já adianto que o winrar não é o caso, por isso disponibilizo o link do HJ Split, um programa irá juntar as partes.
Quem tiver qualquer dúvida com relação a isso, pode me contatar pelos comentários.

CD 1 - Aproximadamente 700 Mb - Megaupload
Parte 1 - Parte 2 - Parte 3 - Parte 4 - Parte 5 - Parte 6 - Parte 7 - Parte 8

CD2 - Aproximadamente 700 Mb - Megaupload
Parte 1 - Parte 2 - Parte 3 - Parte 4 - Parte 5 - Parte 6 - Parte 7

Legendas - 4Shared
CD1 - CD2

As gotas de Corrie White

2009-11-23T16:09:00.001-08:00

Nem estava procurando nada pra postar no blog, mas pelas minhas andanças no mundo virtual, abri o meu MSN e me dei de cara com essa fotógrafa canadense.
Corrie White, de 61 anos, se define como sendo uma amadora em Fotografia. E o que ela não imaginou foi que as suas gotas em close-up fariam tanto sucesso na Internet através do Flickr. A figura à esquerda é uma fotografia que Corrie fez em homenagem ao Brasil, apesar de não ser as cores do país, como ela mesma disse.

Não há nenhum truque nesses trabalhos, apenas um bom "timming" como disse a própria Corrie. Ela pinga a gota e programa a câmera para tirar a foto 5 segundos depois. É um resultado acidental bem interessante, já que a estética da gota que fica em suas fotografias as tornam intrigantes, mexem com o imaginário.
White usa gotas de leite em algumas de suas fotografias, e para dar um efeito mais interativo, coloca corante alimentício para deixá-las coloridas.

Com relação ao equipament de trabalho, Corrie usa uma digital profissional Canon EOS 50D, o que facilita o zoom, os ajustes mais finos de tempo de exposição, maiores zoom e nitidez de acordo com o que se quer fazer do trabalho.

Referências:

BBC Brasil

Flickr de Corrie White

Edgar Koetz e o seu trabalho "Alienados"

2009-11-22T17:29:00.000-08:00

Ano passado algo havia me chamado a atenção na televisão. Uma chamada para um desses programas da RBS que davam aos sábados no horário do almoço. Era sobre um programa chamado "Histórias Extraordinárias" e naquele final de semana (27/03/2008) eles falariam sobre Edgar Koetz e a sua obra "Alienados", que ele construiu no Hospital Psiquiátrico São Pedro em Porto Alegre.

Como tinha que fazer um trabalho de Psicologia da Educação baseado no processo criativo segundo o psicanalista argentino Pichon-Rivière, vi aí a oportunidade perfeita de homenagear um artista gaúcho de grande renome, e falar mais a respeito de como é intrigante o fato de alguém que se encontra no fundo do poço (conforme contarei a seguir) conseguir realizar uma obra de arte com adjetivos inomináveis de qualidade.

O Artista

Agora, muitos aqui que me leem devem estar se perguntando quem foi Edgar Koetz. Pois lhes informo que este gaúcho nascido em Porto Alegre foi um desenhista, gravador, artista gráfico, ilustrador e pintor. Nossa, mas quantas qualidades em uma pessoa só! E isso ainda não é nada!

Edgar começou sua carreira na Editora Globo, tendo reconhecido na litografia a sua arte com Ernest Zeuner. Fundou, com outros artistas, em 1938, a Associação de Artes Plásticas Francisco Lisboa e integrou o Clube da Gravura, durante os anos 1950, juntamente com Carlos Scliar, Danúbio Gonçalves e Blênio Bianchetti.
Mudou-se para Buenos Aires em 1945, onde realizou vários trabalhos, ganhando inclusive prêmios como o Prêmio da Câmara Argentina do Livro, isso durante os cinco anos que permanece em solo argentino.
Em 1952, dois anos após integrar o Clube da Gravura, Koetz se instala em São Paulo, onde assumiu o cargo de coordenador gráfico da Comissão Estadual de Literatura do Governo de São Paulo. Leciona no MASP, e ganha dois prêmios no concurso para os selos comemorativos do 4º centenário da cidade de São Paulo.
Durante os anos 1960, quando retorna a Porto Alegre, produz uma série de pinturas a guache entituladas “Poesias dos Bairros”, que eram uma espécie de retração de registros de seus passeios pela cidade. Era um trabalho de caráter urbano, mais uma visão das calçadas e praças no início do século XX.

A Obra “Alienados”

Em 1964, com a explosão do Golpe Militar, Koetz foi internado no Hospital Psiquiátrico São Pedro, em Porto Alegre, após sofrer de depressão por causa da repressão da Ditadura Militar. Os direitos foram banidos, a censura estava lá para impedir a liberdade de pensamento e de expressão, e isso foi um grande baque para Edgar.

Foi então que lhe deu um estalo, e resolveu executar uma série de pinturas a nanquim dos pacientes do Hospital Psiquiátrico onde internaram-no. Tendo sido produzidos 24 desenhos dos pacientes, Edgar faz ali uma obra e ao mesmo tempo um protesto. Durante a Ditadura Militar, o país inteiro estava passando por um período de alienação, devido a censura e a forte repressão. Koetz encontrou ali uma forma de dizer ironicamente que aquelas pessoas eram as consideradas loucas, sendo que, por interesse daquela sociedade, elas eram ditas como tal. Mas que na verdade, não dá totalmente para diferenciar a loucura da sanidade.

Seu processo criativo foi feito de maneira espontânea, sem rascunhos, borracha ou qualquer tipo de esboço anterior. Eram feitos diretamente sobre o papel, com o pincel embebido na nanquim, o que deixou o seu trabalho com uma aparência mais espontânea, com traços simples. Fora que o desenho tinha um tristeza implícita, expressada por ele no rosto de cada um dos 24 pacientes que retratou. Uma curiosidade é que os 24 desenhos de Edgar Koetz foram em exposição no MARGS em 2004, sendo que alguns deles inclusive fazem até parte do acervo do próprio MARGS.

O documentário da RBS encontra-se abaixo para quem não viu e tiver curiosidade de ver. Inclusive até dispensa que eu mostre imagens, porque o próprio documentário faz questão de mostrar bem os trabalhos de Koetz.

Leituras complementares (a quem quiser ler algo fora deste blog):

O depoimento de Celso Koetz, filho de Edgar

Um site com apanhados de textos de Pichon-Rivière, a quem quiser se fundamentar

Referências:

Site do MAC

Site do Margs

O drama no trabalho de Arminda Lopes

2009-11-09T10:19:00.000-08:00

É realmente com muito gosto que torno aqui novamente ao blog para fazer um post exclusivamente a uma artista de quem particularmente sou muito fã.

Na mesma ocasião em que visitei os museus em Porto Alegre, fui até o Museu Júlio de Castilhos admirar o trabalho da escultura gaúcha Arminda Lopes.

Mas por que eu escolhi falar do trabalho dela? Bem, eu me apaixonei pela obra da Arminda já em 2007, no primeiro ano de curso, quando ela expos no Margs. Na mesma ocasião, estavam em exposição as gravuras do artista espanhol Goya, conhecidíssimo por suas obras na Europa no século XVIII.

É realmente uma grande responsabilidade falar a respeito de uma artista com a qual já conversei, e inclusive a tenho favoritada em meu blog, porque eu fico morrendo de medo de falar alguma besteira.

Enfim, já que não posso adivinhar o que pensa a escultura Arminda Lopes, posso dizer, segundo o que vejo e os conhecimentos que tenho em Artes Visuais nestes 3 anos de estrada, que é um trabalho que não tem como passar despercebido.

A Arminda consegue trazer à tona toda aquela angústia ou dor inerente ao ser humano. Suas esculturas (nas duas oportunidades que eu tive de vê-las ao vivo) são envolventes, são densas, e altamente expressivas. Elas expressam o drama do sentimento humano em sua maior essência.

À primeira vista, havia pensado que suas esculturas eram feitas de barro. Mas olhando mais de perto, pude perceber que eram de metal. Genial! Realmente fiquei muito impressionada ao perceber a grande jogada. Eram de metal, mas pareciam argila. E eram esculturas relativamente grandes! Todas elas com temas polêmicos, como uma série inteira que eu vi sobre crianças sofridas pelas mazelas do mundo (acho que eram da exposição "Miseráveis"). A Arminda que me corrija se eu estiver errada.

Nesta última exposição no Margs, pude acompanhar um trabalho seu do Júlio de Castilhos. Era a exposição "Estados da Alma". Onde havia uma tenda, com vários bustos que formavam meio que um corredor. Uma música sinistra tomava conta do ambiente. Diversas esculturas de, em média, uns 2 metros de altura, tomavam a sala, penduradas por um cabo de metal, e estavam devidamente iluminadas, quase como um palco de teatro. Ao fundo, uma figura de uma mulher deitada de bruços, com aparente expressão de sofrimento. Mais à frente encontramos uma cena que mais parece um sacrifício humano, bem como, acima encontramos um plástico, ou tecido, que era o molde da mesma mulher que antes estava de bruços.

É um trabalho que vale a pena conferir. Quem não conhece, deveria procurar se informar a respeito do trabalho de Arminda Lopes. Quem quiser conferir mais imagens, acesse os sites das referências.

Referências:

Site oficial da escultora Arminda Lopes

Blog da escultora