Estava eu aqui quebrando a cabeça pensando em um assunto para tratar no meu blog. Como gosto de inovar e pegar coisas diferentes para tratar, resolvi falar de um assunto que com certeza é bastante presente em toda a história da pintura.
Estou falando do elemento COR, que nos causa uma dada impressão a respeito da natureza da obra de arte, ou nos mostra como é a natureza do indivíduo que vive em uma determinada cultura, ou a natureza da própria cultura em si.
Já que não escrevo nada aqui sem um embasamento teórico oriundo de um site de confiança, tomei emprestado alguns argumentos de um artigo de uma moça da ISCA faculdades, em Limeira - SP. Inclusive quem quiser dar uma olhada no artigo completo, eu indico, principalmente para aqueles que estudam os processos de criação dentro do ramo das Artes Visuais, ou simplesmente para os críticos de Arte ou até mesmo historiadores de Arte.
Inicialmente eu pensei em falar da influência psicológica da cor, tratada tão veementemente por Van Gogh. Para ele era essa a questão essencial da Arte, já que a cor transmite o sentimento do ser humano quando criou a obra de Arte.
Mas não é somente o argumento psicológico que é válido nesse estudo. As cores nas pinturas também podem ser analisadas sob o ponto de vista antropológico.
Comecemos pelo ponto de vista psicológico. O que buscavam os artistas quando retratavam suas obras com ou cores frias, quentes, mistos dessas duas? Queriam eles buscar a harmonia ao retratar lindas paisagens com cores análogas (cores com matizes bem próximas, como o azul e o verde, o vermelho e o laranja), ou buscar a agitação e a vibração forte de obras com cores complementares (cores opostas, como o branco e o preto, laranja e azul)? Notamos nas obras renascentistas a harmonia das cores análogas, que nos passam a impressão de serenidade.
Quem conhece a famosa Monalisa, do Da Vinci, pode perceber o que estou falando. As cores serem análogas não significa que sejam todas iguaizinhas, mas sim que elas obedecem mais ou menos aos mesmos tons, ou seja, não há cores "brigando" por assim dizer. É a mesma coisa que combinar uma calça verde musgo com uma jaqueta marrom. Não são cores iguais, mas se combinam! E é assim que funcionam com as cores análogas.
Indo ao outro extremo, falando das impressões visuais e psicológicas das cores complementares, o clássico exemplo de obras com cores complementares são as obras fauvistas. Até pensei em dar um outro exemplo, mas acredito que esse seja o melhor, porque justamente elas foram duramente criticadas pelas cores chocantes ao olhar (chegando a "doer" os olhos, por assim dizer). Os fauvistas buscavam a vida na obra de arte nesse contraste. Então, vou mostrar aqui uma das minhas obras de Arte preferidas, a chamada Ponte de Charing Cross, feita por Andre Derain, em meados do século XX.
Para encerrar os argumentos psicológicos da cor, vou colar aqui uma citação do artigo da colega Ana Karina Miranda de Freitas, a respeito das impressões visuais da cor.
As cores quentes são estimulantes e produzem as sensações de calor, proximidade, opacidade, secura e densidade. Em contraste, as cores frias parecem nos transmitir as sensações de frias, leves, distantes, transparentes, úmidas, aéreas e acalmantes. (p. 4)
Agora vamos ao outro lado da questão: o ponto de vista antropológico. A cor é a identidade de uma cultura e de uma época? Digamos que a cor é um dos elementos que pode determinar o caráter de uma obra artística de uma determinada comunidade cultural, e por sua vez, a obra determinar o caráter dessa mesma comunidade.
Reaproveitemos a Monalisa acima. Ela é o retrato da arte europeia, à qual todos nós, estudantes de Artes, estamos todos habituados e "viciados" pela sua estética. Claro que a arte europeia mudou muito com o passar dos anos, como se pode observar pela obra de Andre Derain mais abaixo. Mas eu quero pegar como exemplo a arte europeia renascentista do início do século XVI. O que perdurou na época do Renascimento foi o conceito da razão, ou seja, do homem como o centro do universo. Não era à toa que as cores das obras de arte fossem sóbrias, e análogas, já que a própria arte renascentista segue os preceitos de uma arte naturalista (partindo do princípio de que não vemos a "realidade" sob cores chocantes e complementares), com estudos de proporções e perspectiva. Claro que isso mudou mais adiante com o Impressionismo, que só viria a sugir no século XIX.
Diferentemente da arte africana, onde predomina o Geometrismo e a presença de cores complementares, que inclusive influenciaram as obras de Pablo Picasso.
Referências:
http://www.saber.cultural.nom.br/template/especiais/Moga2ArteAfricana.html
http://www.iscafaculdades.com.br/nucom/PDF/ed12_artigo_ana_karina.pdf
http://pt.wikipedia.org/wiki/Renascimento
Isto é, quando submetidas a um campo magnético, uma ponta da partícula torna-se positiva e a outra negativa. E isso faz com que aconteçam atrações e repulsões no sentido do campo magnético (positivo ou negativo), dependendo de onde ele se encontra. E as partículas de ferrofluido são manipuladas através desse mesmo campo magnético. A maior repulsão a esse campo magnético criam as pontas que vemos ali, dando uma estética bem interessante. Esse é o tipo de obra que veríamos em um museu de ciência e tecnologia (como o da PUC-RS), mas como a sua estética é Arte e a sua proposta também, me reservei ao direito de comentar esse tão engenhoso trabalho. É a ciência criando uma estética artística interessante, sem dúvida. 
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